SA: Quand la musique est entrée dans ta vie?
AS: La musique a inondé ma vie pour toujours dans la famille: mon père était un grand audiophile. Chaque après-midi, de 4 heures à 9 heures, il écoutait toutes sortes de musique avec une chaîne stéréo de très bonne qualité. Ensuite, ma relation avec les sons et avec l’intellectuel lié à eux, a été consolidée à travers l’étude du piano au conservatoire et environ 15 ans à l’écoute quotidienne de Radio 3, une source inépuisable de stimuli pas seulement musicaux.

SA: Cycliquement, certains articles de journal mettent l’accent sur le manque de compétences de communication qu’aurait la musique contemporaine. Cela est vrai à votre avis? Lorsque vous écrivez de la musique, vous pensez que vous voulez ou devez exprimer quelque chose?
AS: Je ne pense pas que la musique contemporaine soit incapable de communiquer. Le fait est que les genres musicaux possèdent une dynamique intrinsèque de la perception, qui ne sont pas comparables entre eux, car ils ont des fonctions différentes en utilisant souvent de très différents des résultats sonores. L’absence éventuelle de capacités de communication de la musique contemporaine est plutôt dans le fait que la création / production est de plus en plus loin et plus rapide que celle de l’utilisation: il faut du temps pour que l’énorme portée innovante de la musique contemporaine et son esthétique radicale se dépose dans les tissus socio-culturels.
Si je pense vouloir ou devoir exprimer quelque chose lorsque j’écris de la musique? Eh bien, après une analyse a posteriori de mon travail, je remarque que souvent je dessine à travers les sons, des paysages émotionnels ou des portraits qui invitent l’auditeur à s’y refléter pour se les approprier. Écrire de la musique pour moi, c’est une mission, un pacte éthique avec la partie la plus authentique de moi, un pari et défi permanent de surmonter mes propres besoins imaginatifs et créatifs. Mais par-dessus tout, c’est l’une des nombreuses formes d’interprétation de la réalité. Enfin, je vois mon rôle et ma mission en tant qu’artiste liés à une sorte d’obligation morale d’aider à brouiller les pistes, brouiller les cartes: injecter, à travers de nouvelles formes de musique, la contre-culture et l’anarchie dans la production de pensées et d’idées.

SA: Pourquoi avez-vous décidé de quitter le système de notation traditionnelle et de développer des systèmes de notation différents? Qu’est-ce que cela signifie dans votre écriture, dans votre approche du travail créatif de l’utilisation de systèmes alternatifs de notation?
AS: Le système phasing-out, pénible, douloureux, mais poli et inévitable de la notation traditionnelle, c’était une nécessité découlant de la transformation de plus en plus imaginative et complexe de différents langages musicaux et gestuels. Le pentagramme m’étouffait, ainsi que l’idée de parler une seule langue. Ma passion pour la sémiographie est en fait similaire à la passion pour les codes et les langages complexes. Pour moi, utiliser des systèmes de notation non conventionnels a beaucoup à voir avec l’idée du mode d’observation et de la représentation de sa théorie des mondes et la réalité de génération différente et donc fascinante. Et puis un autre système de notation est presque toujours lié à un type, interprète ou des interprètes différents, exprimer des idées et des résultats sonores différents... Il est important pour moi de renouveler chaque nouvelle œuvre: l’évolution des langues et des grammaires me donne l’illusion ou la certitude de la mort et de la renaissance tout le temps!

SA: Je voudrais vous parler de votre relation artistique qui a lié la musique, l’écriture et le dessin. Vous avez beaucoup travaillé à la fois sur l’expérimentation dans l’écriture de la musique que l’image elle-même, la création de projets et d’expositions de nature visuelle. Au sujet d’un spectacle, vous avez récemment écrit que vous ne pouvez pas définir le début et la fin d’un dessin; c’est comme cela aussi pour la musique et pour l’écriture?
AS: Non, mais sans doute parce que, par la nature même de ces formes d’expression, le début et la fin d’un morceau de musique peuvent être amenés à changer, même si la conduite ou le développement d’un corps central reste inchangé. Le fait que la musique est pour moi aussi une “composition”, soulager cette forme d’intervention pré et / ou post-structurale. Mais pas avec le seul dessin. Pour moi, il représente la forme la plus élevée de l’anarchie et de la liberté d’expression, dans lequel je me perds et je me retrouve constamment. Et le lien entre la composition musicale et la conception est l’exécution / composition musicale improvisée en temps réel (aussi appelée improvisation radicale ou non idiomatique): là j’y expérimente beaucoup de dynamiques en commun entre les deux formes d’expression.

SA: Comment votre “besoin de réinventer la relation avec le monde” et, par conséquent, le temps et l’espace, passe par la feuille de papier vierge et l’écriture? Quelle valeur attribuez-vous à la codification et au déchiffrement d’un signe, plutôt qu’à l’écoute? Et quelle est la relation entre les deux dans votre travail?
AS: Posé devant une surface blanche avec le stylo entre vos mains est un geste d’abandon au monde et envers soi-même. Mais c’est aussi un acte de courage, car à partir du moment où vous commencez à esquisser un paysage graphique, vous prenez la responsabilité de créer un monde qui n’existe pas et qui, de plus, vous souhaitez parfait! Le déchiffrement d’un signe ou d’une constellation de signes et de formes est le véritable objet de ma recherche. Dessiner une carte ou une partition graphique est savoir comment concevoir un univers de sens, une forme d’existence alternative à ce que nous vivons dans notre réalité. C’est l’évocation que je désire susciter chez tous ceux tambent dans mes oeuvres, quelles soient musicales ou graphiques.

SA: Vous avez beaucoup voyagé et étudié, nous comprenons cela. Certes, cette combinaison a influencé votre recherche (qui vous définissez souvent comme anarchiste). Aujourd’hui, quelles sont les influences les plus présentent dans votre musique, dans vos signes graphiques? J’en ai vu beaucoup du Japon et du Mexique dans les dessins, en commençant par le nom de votre série “Seibutsu.”
AS: Je pense que les influences les plus évidentes dans le cas de ma production d’art visuel - même avant que j’aille physiquement dans les pays où j’ai eu l’occasion de vivre et de travailler - sont ceux liés à certaines catégories de grammaires visuelles et esthétiques orientales, notamment japonaises, mais aussi mayas. Pour la musique au contraire, il faudrait citer l’avant-garde et l’expérimentalisme des années 70, héritage musical, à mon avis, pas encore totalement exploré en théorie et en composition.

SA: Si on pense à l’art contemporain, à partir du Futurisme, en passant par différentes manifestations d’un mouvement comme Fluxus, écrire de la musique, ainsi que l’approche des outils ont été déconstruits et ensuite réinventés. La relation avec le corps est complètement modifiée sur la base d’une approche pleine et entière à la musique. Avez-vous des références dans cette voie? Pour vous, existe-t-il des artistes qui ont une valeur importante pour votre recherche musicale et artistique en général?
AS: Dans le domaine des arts de la scène le Butoh japonais a certainement eu pour moi une valeure très importante, décisive je dirais: Kazuo Ohno le grand et Ko Murobushi, pour ne citer que quelques exemples. Quant aux musiciens qui ont nourri mon univers créatif et il y a eu Cage productive, Xenakis, Scelsi, Stockhausen, Kagel. Et dans divers autres domaines de la pensée et de l’art pour n’en citer que quelques-uns: Sade, Jenet, Nietzsche, Pasolini, Hundertwasser, Gaudi...

SA: Dans votre série “Sons à déchiffrer” vous faites référence à des codes et à des cartes. Cartes qui se rapportent cependant à une réalité intérieure plutôt qu’externe. Comment ce chemin peut rencontrer le public, qu’est-ce qui les rend compréhensibles pour le spectateur ou l’auditeur? Il y a des légendes qui aident à interpréter vos cartes ou est-ce un signe que vous laissez au libre arbitre de la créativité des lectures ou à la jouissance esthétique pure?
AS: Bien sûr, les légendes existent pour les œuvres graphiques à destination instrumentale ou vocale. Elles existent pour les techniciens et les spécialistes. Mais de nombreux signes et cartes conçues et dessinées par moi, tout en traduisant les sons dans une série de graphiques d’entrée, peuvent être exercés sans aucune formation requise: ils représentent plutôt une invitation à l’abandon de son intérieur et sa musicalité, pour imaginer une musique silencieuse entre les points et les lignes, les courbes et les diagrammes... une musicalité sans bruit, en fonction de l’Hindu Anahata Nedam!

SA: Quelle a été la pire réaction et la meilleure réaction d’un de vos interlocuteur (et / ou lecteur ou observateur)?
AS: La pire réaction est toujours celle qui se produit lorsqu’elle se rapporte à certaines œuvres comme quand vous allez au supermarché: penser que le «goût», c’est tout. Pour mes œuvres musicales il est souvent nécessaire de lire un texte d’introduction pour apprécier pleinement ce que je tiens à exprimer: c’est quelque chose dont je ne suis pas gêné ou honteux et que je revendique comme un passeport pour entrer dans la poésie de mon univers sonore. Pas toute la musique est faite uniquement de sons et d’approche directe et «émotionnelle». Il y a quelques années, un auditeur, après une de mes compositions, a eu des réactions superficielles et prévisibles, car il n’avait pas été conduit par la main dans le canal de significations possibles que mon travail lui offrait à travers quelques lignes de texte. Une fois lu, c’est comme si vous aviez immédiatement débloqué quelque chose en lui, transformant son commentaire initial négatif en son contraire! Tout cela ne se fait pas par exemple dans le cas de ma production d’art visuel. En fait... Aucun texte, aucune introduction, aucune clé de lecture, et comme j’en suis fier! Mes dessins n’ont pas besoin d’explication. Ils sont générateurs de sens ouvert à l’intériorité de ses observateurs, de tous les horizons.

SA: Quelles différences ont été observées dans l’approche de la culture, l’art, la musique dans les différents pays où vous avez essayé de vivre et travailler?
AS: Les différences sont essentiellement économiques et socio-culturels. Dans un monde globalisé, en fait, l’approche réceptive est presque toujours la même chose. Seuls changent les mécanismes économiques et productifs qui génèrent la culture, l’art ou la musique.

SA: Pourriez-vous nous parler de votre expérience comme premier doyen de la Faculté de génie de l’Amérique latine chez Digital Music Production?
AS: C’était une expérience très formatrice, non seulement parce qu’inévitablement je devais réfléchir en profondeur sur les changements de la musique d’aujourd’hui, mais aussi parce que je suis occupé de la formation, des choix éducatifs, et surtout j’ai contribué à la conception du curriculum de la faculté. La comparaison avec des élèves d’un autre continent et avec le système éducatif du modèle américain, ont été des sources d’une grande richesse intellectuelle et humaine.

SA: Pourquoi, en 2011, vous avez décidé de retourner en Italie? AS: Je suis retourné pour une série de coïncidences extérieures et de réflexions intérieures: j’avais besoin de temps pour moi pour m’exprimer, et surtout de me retrouver: un italien parmi les italiens. Dans une époque où ma “fuite en exil” qui coïncidait avec l’ère de Berlusconi, je reconnaissais enfin nécessaire un retour physique dans un pays avec des valeurs et des traditions (bien qu’en crise) et avec une identité reconnaissable et unique parmi toutes les cultures et nationalités du monde.

SA: Parmi les différentes performances de vos compositions, qu’elle est celle qui vous satisfait le plus et pourquoi?
AS: Je suis très proche de celle de la version pour cinq instruments de mon travail orchestral fleurs et pierres écriture. J’étais heureux. Mis à part le résultat sonore (un de ceux possibles, puisque la partition est semblable à un générateur de sons de conteneurs, pas une séquence préétablie de notes et toujours exécutable de la même façon...), le travail qu’ont accompli les jeunes musiciens mexicains de la Nure Ensemble et leur directeur Raul Gonzalez, qui a cru dès le début à mon défi, si complexe et problématique - a été exemplaire. Ils ont fait table rase de toute habitude qui est liée à leur formation des cadres d’instrumentistes classiques. Ils ont «plongé» dans le texte et la grammaire de cette partition. J’espère un jour, entendre la version originale pour percussionniste solo et grand orchestre, ainsi que d’autres œuvres du “cycle des Écritures”, dans lequel je pense que je vous ai présenté une nouvelle façon d’écrire l’orchestre symphonique de la tradition occidentale.

SA: Connaissez-vous des compositeurs particulièrement intéressants parmi ceux de la jeune génération? Quels conseils donneriez-vous à un jeune compositeur aujourd’hui?
AS: J’en connais beaucoup, mais je trouve ça vraiment difficile de tous les citer. Et puis je voudrais errer parmi tous les genres de musique que j’écoute et tenir compte de tous au même niveau en termes de respect de la gravité et de l’authenticité avec laquelle les artistes de différents horizons se livrent à elle, au-delà des contextes objectifs à partir desquels ils s’expriment. Des conseils? Eh bien, c’est vraiment difficile: la musique et l’art sont le pays où vous pouvez “semer” et collecter tout! Il n’y a certainement pas une garantie des résultats sûrs parce qu’il n’est pas possible de prédire les résultats des sons génétiques, des situations familières, notamment des formations ou des écoles, ou des choix drastiques universitaires, de certaines pièces de théâtre, des lectures, des conseils, des voyages, du silence, de l’amour... Il y a 50 ans peut-être que j’aurais pû répondre à cette question. Mais la réalité dans laquelle nous vivons aujourd’hui, il est vraiment impossible de le faire, au moins pour moi qui représente le résultat d’un parcours personnel, éducatif et existentiel, anarchique. Cela dit, un compositeur pourrait dire, en premier lieu, “avant d’écouter la musique, écoutez-vous en premier! Apprenez à éloigner de votre vie et de vos oreilles ce qui vous éloigne de vous-même. Seulement comme cela, vous apparaîtra plus ou moins clairement l’univers sonore qui vous représente et que vous souhaitez recomposer et partager avec le monde”.
Plus généralement, le conseil que je donnerais aux jeunes compositeurs est d’apprendre dès le début à savoir qui ils ne veulent pas être, à qui ils ne veulent pas ressembler, quels sons ils ne veulent pas entendre. S’efforcer à voler des idées, des pensées, des sons et des notes n’est pas nécessaire. Et puis éviter d’ajouter ou de stratifier, vous polluez votre propre existence et le sens de votre travail. Pas le temps: l’existence humaine est si courte!