Today we have the chance to see him as filmaker of videoart and short films that, in these last two years enabled him to be selected as one of the best Italian filmakers. In 2008 at the Bicycle Film Festival, (international touring show through several world capitals) New York – Portland, with the documentary video History of Bicycles With No Name co-author Simone Cariello. Then in 2009, again in Milan, in occasion of the exhibition Public Turbulence with a video Heimlich – Unhemlich, projected on the wall of a building in the well known Isola quarter nowadays one of the most dynamics place of Milan in the sphere of the contemporary artistical research.
A whole quarter that, over time, despite unforeseens and obstacles, has hardly managed to save its ideals, fighting for the survival of Art as effective means of communication and dissuasion. This is how, once again, Isola Art centre finds its manner to make available the public space for artists and curators. Art hides and upsets the quarter's streets causing a shared disorder and a slight displacement of meanings and social conventions, proposing sound installations, theatrical performances and screenings through the streets.
An attempt to open new hypothesis of access into the reading of the new work of Luca Puglia, trhough a brief cross talk in order to delve into the less harped critics in the reception of his work, realized for the occasion with the collaboration of Simone Cariello.

SA: Which is the artistic sphere that you are mainly interested in?
LP: I use to work especially on videos, that are the most interesting media because usable by the most and of easy access. I am interested in the visibility of my work: everyone gives a different reading, so the work assumes different meanings.

SA: Tell me about your work, how does it rise?
LP: We are always interested in telling a story.
For the production of this video we started from the private concept of private and how this concept can be shared. We faced with a kind of play on words: heim - unheim (domestic- terrible), it looked interesting to evaluate how the combination of these terms (borrowed by the German language), could mix two basic ingredients of nevrosis. From here arises the idea to show the most insane part of what we mean with private.

SA: What are you trying to communicate, which is the main theme of your work?
LP: Since it was a public screening, a huge projection on a wall, our aim was to reveal the wicked mechanisms concealed behind and inside the homely dailiness.
We chose to use the “victim” as means to lead the spectator into the identification: establishing a relation with the victim; relationship that is crushed since its origin.
The hand that carries the eye outside the visual field cuts this relationship-symbiosis. All of this does not happen in a slaughterhouse or in a slum, but inside a house, in a cosy place, chromatically welcoming. The starting background apparently relates to innocuous daily gestures. The involvement of the weeping eye interrupts the ordinary harmony, that we do not even know. The eye is an open window on a microcosm that moves behind his back; a world that does not see but perceives. It is observer as well as observed; it tries to establish a dialogue with its silent movement, but can only give us the consciousness that this waiting will be dramatically resolved.

SA: Could you tell me exactly the steps that brought you to the realisation of the completed work?
LP: We always start from a rather heated debate, we fix some points that are relevant for us and on these points we start in developing the work, but it is during the production that the work acquire its real form.
We consider our works as life pulsing creatures, we operate on open heart.

SA: Have you already other ongoing projects, could you reveal us your next work?
LP: We wrote a history on a baby super hero, we would like to work on it as soon as possible.

SA: Could you satisfy a curiosity, what do you think of curators? The category in general I mean.
LP: We are conscious of the fact that an artist, at a certain point of his career, needs the meeting with a curator, and we well know that there are so many young curators as well as young artists.
It is clear that since this is a personal consideration everything is permitted, what I cannot understand is the figure of the curator-failed artist: too many obscure feelings that make his work less useful.

SA: Your attention is directed to a genre that is called “docu-fiction”, a genre that wants to place itself between the documentary and the cinematic production, could you exactly tell me what is it about?
LP: It orignates from the need of differentiation from the documentary as absolute genre. The documentary has always been associted to a “committed” vision, that sometimes makes it boring and of niche. The fictionaire appearance that we try to reach enables us to lighten the vision through a language closer to the cinematic narration, alternating interviews and visual narrations. The choice of two format allow us to move on this border line: we use to join the warm colours of the super8 film with the digital objectivity. A recent example is the work realized in Milan, in 2007, titled History of bycicles with no name in which it is clear the parallelism of two narration lines, one based on the facts' objectivity and on first person narrations and the other mediated by a fictionalized screenplay.

SA: The city seems to be a key element in your projects, it is like a misterious world full of incentives to catch and histories to delve into. The stories that you tell in your videos at a first sight could look as simple glimpes on quotidian life experiences, but if you take a careful look they have the power of showing what really courious and interesting is cealed behind every corner of our cities. From where does the wonder towards the mundane take its origins, which is the aim you want to reach? LP: We are interested in what is cealed or what is cancelled by the flow of time, therefore the memory of a past whose traces are often visible only in people's memories. In this moment we are working on a project that looks at an important place that has been symbol of social and cultural opportunities, as well as part of the artistic and architectural heritage of Milan. A building realized in the early twenties, recognized as “ House of artists” that rised a cutting edge social system. It is the first maison born in order to host art studios. Although the current neglected status of this place, in people's memory remains the wish of make up the communion and sharing spirit that helped the artist not to be isolated by the context in which he was living, making him active supporter of the city's cultural and social development.

SA: As new young artist, what can you give us of new and original for an audience that has already seen everything and that is bored by everything? LP: I don't believe that the object is to find something new. The novelty comes hand in hand with the society changes. I think the task of the artist is to make this public and to create a common area of dialogue with the people that like us lives the quotidian.

Aujourd’hui, nous avons la chance de le rencontrer en tant que réalisateur de courts métrages, qui durant ces deux dernières années lui ont permis d’être sélectionné comme l’un des meilleurs réalisateurs italiens. En 2008, lors du Bicycle Film Festival (festival en tournée dans toutes les grandes capitales mondiales) à New York avec le documentaire History of Bicycles With No Name avec pour co-auteur Simone Cariello. Puis en 2009, à Milan, à l’occasion de l’exposition Public Turbulence avec la vidéo Heimlich – Unheimlich, projeté sur le mur d’un immeuble du célèbre quartier Isola, qui est aujourd’hui l’endroit milanais le plus dynamique en matière de recherche en art contemporain.
Un quartier entier, qui, malgré les imprévus et les obstacles, a difficilement réussi à conserver ses idéaux, luttant pour la survie des arts en tant que moyens de communication et de dissuasion. C’est ainsi que Isola Art Centre a trouvé le moyen de rendre accessible l’espace public aux artistes et aux curateurs. L’art cache et bouleverse les rues du quartier, emmenant le public vers un désordre commun et un déplacement des opinions et des conventions sociales, proposant des installations sonores, des performances théâtrales et des projections à travers les rues.
Une tentative pour proposer une nouvelle hypothèse sur la lecture du dernier travail de Luca Puglia, à travers une brève conversation pour approfondir les premières critiques sur son travail, réalisé pour l’occasion en collaboration avec Simone Cariello.

SA: Quelle sphère artistique vous intéresse le plus?
LP: J’ai l’habitude de travailler sur des vidéos, média le plus intéressant car utilisable par tout le monde et facile d’accès. Je suis intéressé par la visibilité de mon travail, chacun en donne une lecture différente. Mon travail offre plusieurs sens.

SA: Parlez nous de votre travail, comment ça se passe?
LP: Nous souhaitons raconter une histoire. Pour la réalisation de cette vidéo, nous avons commencé avec le concept du privé et comment ce concept pouvait être partagé. Nous nous sommes trouvés face à un genre de jeu sur les mots: heim et unheim. Il semblait intéressant d’évaluer comment la combinaison de ces termes empruntés à la langue allemande, pouvait mélanger deux ingrédients de la névrose. A partir de là est venu l’idée de montrer la part la plus malsaine de ce que nous appelons le privé.



SA: Que tentez vous de communiquer? Quel est le thème principal de votre travail?
LP: Il s’agissait d’une projection en public, sur un mur, notre but était de révéler les mécanismes cruels, conciliés à l’intérieur d’un simple quotidien.
Nos avons choisi d’utiliser la « victime » comme moyen d’amener le spectateur à l’identification: établissant une relation avec la victime, relation dès le départ.
La main portant l’œil en dehors du champ visuel coupe cette symbiose relationnelle. Tout cela n’arrive pas dans un abattoir ou un taudis, mais à l’intérieur d’une maison, un endroit agréable aux couleurs accueillantes. L’arrière plan du début fait apparemment référence à d’inoffensifs gestes quotidiens. La participation de cet œil pleureur interrompt l’harmonie ordinaire, dont nous ne connaissons même pas l’existence. Cet œil est une fenêtre ouverte sur un microcosme en mouvement, un monde qui ne voit pas, mais perçoit. Il est autant observateur qu’observé, il essaye d’établir un dialogue dans ce mouvement silencieux, mais peut également nous donner conscience de l’attente qui va se terminer dramatiquement.

SA: Pouvez vous nous décrire exactement les étapes qui vous ont amené à la réalisation de ce travail ?
LP: Nous commençons toujours par un débat plutôt animé, nous établissons les points significatifs et nous les développons. Mais notre travail acquiert sa forme réelle durant la réalisation.
Nous considérons nos travaux comme des créatures pleines de vie, nous opérons à cœur ouvert.

SA: Avez-vous déjà des travaux en cours, pouvez vous nous révéler votre prochain travail?
LP: Nous avons écrit une histoire sur un bébé super héros, nous aimerions travailler dessus aussi vite que possible.

SA: Pouvez vous assouvir ma curiosité, que pensez-vous des galeristes? En général j’entends.
LP: Nous sommes conscients du fait qu’un artiste, à un certain moment dans sa carrière, a besoin de rencontrer un curateur et nous savons bien qu’il y a autant de jeunes curateurs que de jeunes artistes.
Il est clair que tout est permis quand il s’agit de considération personnelle. Ce que je ne comprends pas est la relation curateur – artiste manqué: trop de sentiments obscurs qui rendent son travail plus inutile.

SA: Votre attention est dirigé vers le genre appelé « docu-fiction », un genre qui souhaite se placer entre le documentaire et la production cinématographique, pouvez vous exactement me dire de quoi il retourne ?
LP: Cela provient du besoin de différenciation du documentaire en tant que genre absolu. Le documentaire a toujours été associé à une vision « engagée », qui la rend parfois ennuyeux et ciblé. Le côté fiction que nous essayons d’atteindre nous permet de mettre en avant une vision à travers le langage proche d’une narration cinématographique, alternant interviews et visuels. Le choix de ces formats nous permet de franchir la frontière. Nous avons l’habitude de combiner les couleurs chaudes d’un film en super8 avec une objectivité digitale. 


SA: La ville semble être un élément clé dans vos projets, c’est un monde mystérieux, à prendre et d’histoires à fouiller. Les histoires que vous racontez dans vos vidéos pourraient à première vue ressembler à un simple aperçu d’expériences vécues au quotidien, mais si on y porte attention, ils ont le pouvoir de montrer ce qui est curieux et intéressant à chaque coin de rue. A partir de quel moment l’émerveillement pour la vie quotidienne prend place, quel objectif souhaitez- vous atteindre ?
LP: Nous nous intéressons à ce qui est scellé ou annulé par la course du temps, la mémoire du passé dont les traces sont encore visibles dans la mémoire des gens. En ce moment, nous travaillons sur un projet présentant un endroit important qui a été le symbole d’opportunités sociales et culturelles, ainsi que le résultat de l’héritage artistique et architectural milanais. Un immeuble, construit au début des années 20 et reconnu comme «Maison des Artistes», a provoqué une rupture avec le système social. Il s’agit du premier lieu pouvant accueillir des ateliers. Malgré qu’il soit actuellement laissé à abandon, il reste pour la mémoire des gens le souhait de créer la communion et le partage qui ont aidé les artistes à ne pas être isolés et lui donnant le statut de défenseur du développement culturel et social de la ville de Milan. 


SA: En tant que jeune artiste, que pouvez vous offrir de nouveau et d’original à une audience qui déjà tout vu et qui s’ennuie de tout?
LP: Je ne crois pas que l’objectif réside dans le fait de trouver quelque chose de nouveau. La nouveauté vient main dans la main avec l’évolution de la société. Je pense que l’affaire de l’artiste est de créer ce public, ainsi une sphère commune de dialogue avec les gens qui, comme nous, vivent au quotidien.

Oggi abbiamo occasione di vederlo come produttore di video d'arte e cortometraggi che, in questi ultimi due anni gli hanno permesso di essere selezionato tra i migliori filmakers italiani. Realizza nel 2008 il video documentario Storia di Biciclette Senza Nome (History of Bicycles With No Name)in occasione del Bicycle Film Festival, (manifestazione internazionale itinerante attraverso più capitali mondiali) New York – Portland, coautore del lavoro Simone Cariello. E nel 2009, sempre a Milano, lo ritroviamo in occasione della rassegna Public Turbulence con il video Heimlich – Unhemlich, proiettato sul muro di un palazzo del famoso quartiere Isola oggigiorno tra i luoghi piu' dinamici di Milano nell’ambito della ricerca artistica contemporanea. Un intero quartiere che nel tempo, nonostante ostacoli ed imprevisti, è riuscito a mantenere i propri ideali a caro prezzo, battendosi per la sopravvivenza dell'arte come efficace mezzo comunicativo e dissuasivo. E' così che ancora una volta Isola Art Center ha trovato il modo di mettere a disposizione di artisti e curatori lo spazio pubblico. L'arte avvolge e sconvolge le vie del quartiere causando un disordine comune ed un leggero spostamento di significati e convenzioni sociali, proponendo installazioni sonore, incontri teatrali e proiezioni di video per le strade.
Nel tentativo di aprire nuove possibilità di ingresso nella lettura del lavoro di Luca Puglia, un breve scambio di battute approfondisce quelle interpretazioni critiche meno battute nella ricezione del suo lavoro, realizzato con la collaborazione di Simone Cariello.

SA: Prevalentemente qual'è il tuo ambito di interesse artistico?
LP: Lavoro soprattutto con il video, il media più interessante perchè fruibile da molti e di facile accesso. Mi interessa il fatto che il lavoro sia visibile ai più: il piano di lettura di ognuno rende il lavoro differente.

SA: Parlatemi del vostro video, come nasce questo lavoro?
LP: Quello che ci interessa è raccontare una storia, sempre.
Per la realizzazione di questo video siamo partiti dall'idea di ciò che è privato e di come questo possa essere condiviso. Ci siamo imbattuti in una sorta di gioco di parole:heim - unheim (casalingo- inquietante), ci sembrava interessante valutare come l'accostamento dei due termini (mutuato dalla lingua tedesca), mescolasse due ingredienti alla base della nevrosi.
Da qui nasce l'idea di mostrare la parte più malata di ciò che è privato.

SA: Cosa si vuole comunicare, qual è il tema di questo lavoro?
LP: Dal momento che si trattava di una proiezione pubblica, gigante su di un muro, il nostro intento era quello di svelare i meccanismi perversi che si celano dietro, e dentro, la quotidianità del casalingo abbiamo scelto di utilizzare la "vittima" come veicolo per condurre lo spettatore o anche il semplice passante all'immedesimazione: si instaura un rapporto con la vittima; rapporto che viene stroncato sul nascere. La mano che trascina l'occhio fuori dal campo visivo interrompe questa relazione-simbiosi. Tutto ciò non avviene in un mattatoio o in un vicolo malfamato ma all'interno di una casa, in un ambiente raccolto, cromaticamente accogliente.
Lo scenario iniziale riporta apparentemente a gesti quotidiani, innoqui.
L'entrata in campo dell'occhio lacrimante interrompe l'armonia del casalingo, armonia che sappiamo non esistere.
L'occhio è finestra aperta su un micromondo che si muove alle sue spalle; un mondo che non vede ma che percepisce. E' osservatore, oltre che osservato; cerca di stabilire un dialogo con il suo muto movimento, ma riesce solo a fornirci la consapevolezza che quest'attesa si risolverà drammaticamente.

SA: Spiegami le tappe che hanno portato alla realizzazione del lavoro finito.
LP: Partiamo sempre da una discussione, a volte anche piuttosto accesa, fissiamo dei punti di ancoraggio che ci sembrano validi e su questi cerchiamo di sviluppare il lavoro, ma è durante la fase di lavorazione che il lavoro finito prende vita.
Consideriamo i nostri lavori creature pulsanti di vita e come tali vanno trattati, operiamo a cuore aperto.

SA: La vostra attenzione è diretta verso un genere che si denota come "docu-fiction", un genere che vuole porsi al confine tra il documentario e la produzione cinematografica, potresti spiegarmi esattamente di cosa si tratta?
LP: Nasce dall'esigenza di discostarsi dal documentario come genere assoluto. Il documentario è sempre stato associato ad una visione "impegnata", rendendolo un genere a volte noioso e di nicchia. L'aspetto fictionaire che tendiamo a raggiungere ci permette di alleggerire la visione utilizzando un linguaggio più vicino alla narrazione cinematografica, alternando quindi momenti di intervista a racconti visivi. La scelta dei due formati ci consente di muoverci ancor più su questa linea di confine: alla oggettività del digitale accostiamo spesso i toni caldi e contrastati ed i fuori fuoco della pellicola in super8. Un esempio recente è un lavoro realizzato a Milano nel 2007 intitolato Storia di Biciclette senza nome in cui è evidente l'alternanza in parallelo di due linee narrative, una basata su l'oggettività dei fatti e dei racconti in prima persona, l'altra mediata da una sceneggiatura romanzata.

SA: La città appare fondamentale nel vostro progetto, è come un mondo misterioso colmo di stimoli da cogliere e di storie da approfondire. Le storie che racconti attraverso i tuoi video potrebbero sembrare a prima vista dei normali scorci di vissuto quotidiano, ma se osservate con attenzione hanno la capacità di mostrare ciò che di veramente interessante e curioso è nascosto dietro ad ogni angolo delle nostre città. Da cosa nasce questa curiosità verso il quotidiano, quale è l'obiettivo che vuole raggiungere?
LP: Ciò che ci interessa della città è quello che si nasconde o che piano piano lo scorrere del tempo tende a cancellare, quindi la memoria di un passato le cui tracce sono spesso solo visibili nei ricordi delle persone. Il lavoro che stiamo realizzando al momento è la riscoperta di un luogo che è stato simbolo di opportunità sociali e culturali, oltre che diventar parte del patrimonio artistico e architettonico della città. Un edificio, realizzato nei primi anni '20, conosciuto come "Casa degli artisti" che ha dato vita ad un modello sociale d'avanguardia. E' la prima maison nata per ospitare studi di artisti. Nonostante le condizioni di abbandono attuali in cui versa, resta nella memoria delle persone la voglia di recuperare quello spirito di comunione e di condivisione che ha fatto sì che l'artista non venisse isolato dal contesto in cui viveva, ma che fosse promotore attivo dello sviluppo culturale e sociale della città.

SA: Come nuova promessa artistica cosa senti di poter proporre di così originale, di così nuovo e stuzzicante ad un pubblico oramai pronto a tutto ed annoiato da tutto?
LP: Non credo che l'obiettivo sia proporre del nuovo a tutti i costi. Il nuovo va di pari passo con i mutamenti della società. Il compito dell'artista penso sia quello di rilevarli e creare un territorio comune di dialogo con le persone che come noi affrontano il quotidiano.

SA: Avete già altri progetti in corso o avete intenzione di svelarci quale sarà il vostro prossimo lavoro?
LP: Abbiamo scritto una storia su un super eroe bambino, ci piacerebbe realizzarla al più presto.
Toglietemi una curiosità, cosa ne pensate dei curatori? La categoria in generale si intende.
Siamo consci che il lavoro di un artista arrivato ad un certo punto necessita dell'incontro con un curatore, e siamo altrettanto consapevoli che come ci sono giovani artisti esistono anche giovani curatori. E' chiaro che dal momento che si tratta di giudizio personale tutto è permesso, un po meno ci attira la figura del curatore-mancato artista, troppi sentimenti oscuri in ballo rendono il suo lavoro meno utile.