Villa Manin presents the second important exhibition in its multi-year project entitled European Geographies, following the first event that investigated the relationship between French painting in the second half of the nineteenth century and painting in Central and Eastern Europe during the same period. The overall project is aimed at studying some of the greatest works of European art produced between the mid-nineteenth century and the first decade of the twentieth.

For the first time in Italy, “Munch and the Spirit of the North. Scandinavia in the Second Half of the Nineteenth Century” aims to piece together a story that identifies the spirit of the North in painting in Norway, Sweden, Finland and Denmark. The exhibition, composed of approximately 120 paintings on loan from Scandinavian museums in particular, but also from several other European and American museums, focuses chiefly on landscapes, although it also features a good number of portraits and figural works. It is divided into five sections: the first four are dedicated to the national schools of the respective countries, while the final section concentrates on Edvard Munch, with approximately 35 works. It is thus a major exhibition within the exhibition, which examines Munch’s early works, influenced by the painting of the Norwegian artist Christian Krohg, from 1882–83, and his output over the subsequent two decades – the last of the nineteenth century and the first of the twentieth – which decreed his universal fame and created the “Munchesque” signature that characterises and confirms the same act of surrender to the endless space of the North that occurred in literature.

However, returning to the national schools that preceded Munch, the so-called Danish “Golden Age” is represented by several paintings dating from before 1850, including works by Lundbye and P.C. Scovgaard. Similarly, the Norwegian section comprises a brief introduction to Dahl, Balke and Guide; the Swedish one to Larson Berg and Wahlberg; and the Finnish one to Von Wright and Holmberg. These sections thus illustrate the sense of discovery of true naturalism that occurred around 1850. It was a movement that cut itself free from what was still a post-eighteenth-century notion of landscape that – with the exception of several extraordinarily high-quality works by artists such as Friedrich and Turner – endured in the various European nations during the first part of the 1800s.

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The exhibition then proceeds chronologically into the second half of the nineteenth century, in a brand-new direction for Italy, and the choice of paintings strives to pinpoint the vision that made the North a place that is not only geographical, but also spiritual. Munch is thus its logical and inevitable culmination. First, however, the candour, luminosity, silence and clangour of the Northern landscape offer an interpretation that sometimes veers towards a complexity that transforms natural locations into an arcane and almost primordial sentiment. This sense of underlying time, the lightness of summers, the depth of winter nights, the mossy velvet of the grass, the white flowers beneath the pale summer moon: this is what the exhibition aims to show the Italian public. This has been made possible by the generosity of the foremost museums and art galleries in Norway, Sweden, Finland and Denmark, whose large-scale loans have allowed the construction of an exhaustive pictorial panorama that has recently fascinated the large public of art lovers, with several exhibitions in both America and Europe. In this sense the exhibition catalogue, featuring contributions by the greatest scholars of these countries, is an essential tool.

The exhibition obviously also includes some of the leading artists, commencing with Ring Philipsen, Syberg, Gottschalk and, in particular, Hammershoi, in Denmark. An entire room is dedicated to Hammershoi, whose extraordinary life was revealed several years ago by a successful exhibition staged in Paris. The works include several landscapes, but above all the artist’s enchanting interior scenes. On display for the first time in Italy, Hammershoi’s works represent the culmination, at the turn of the twentieth century, of a path that arose from the ashen light of seventeenth-century Dutch interior scenes, but which was transformed by infinite nuances of grey, sometimes shading into pale blue. This palette confers the sense of solitude of these figures, which never move within the spaces, but are suspended, as though time could stand still for ever.

The other artists featured in the exhibition are Nielsen, Backer, Thaulow, Krohg and Skredsvig in Norway; Larrsson, Nordström, Zorn, Jansson, Prince Eugen and Strindberg in Sweden; and Edelfelt, Gallen-Kallela, Järnefelt, Churberg, Halonen and Thesleff in Finland. All of their works share pictorial characteristics that place man at the centre of image in the huge and practically immeasurable space of unspoilt nature, juxtaposing the Romantic sentiment with a certain Symbolist mood, as is well exemplified by the work of the great Finnish artist Akseli Gallen-Kallela.

The final part of the exhibition dedicated to Munch, which also comprises about ten drawings that provide the necessary contrast to the artist’s pictorial work, reaches its apex in the careful choice of paintings that allows the viewers to understand the relationship between the Scandinavian painters and the Norwegian master. Taken together, they form the great chorus of nature and its complexities that finally reveal the exhibition’s true and complete meaning, and make Scandinavia a land that is simultaneously radiant and nocturnal: the quintessence of both light and night.

Nel suo progetto pluriennale dedicato alle Geografie dell’Europa, e dopo la prima tappa costituita dalla rassegna che indagava le relazioni tra la pittura francese della seconda metà del XIX secolo e la contemporanea pittura nella nazioni del centro ed est Europa, Villa Manin propone il suo secondo importante appuntamento. Per un progetto, nella sua interezza, volto a studiare alcune delle maggiori evidenze della pittura europea tra la metà del XIX secolo e il primo decennio di quello successivo.


Munch e lo spirito del Nord. Scandinavia nel secondo Ottocento vuole, per la prima volta in Italia, costruire il racconto di una storia che identifichi appunto lo spirito del Nord con la pittura in Norvegia, Svezia, Finlandia e Danimarca. Specialmente dedicata al paesaggio, ma ben raccolta anche attorno al tema del ritratto e della figura, la mostra, composta di circa 120 dipinti provenienti specialmente dai musei scandinavi ma anche da alcuni altri musei sia europei che americani, si divide in cinque sezioni. Le prime quattro riservate alle scuole nazionali di quegli Stati, mentre la sezione di chiusura viene dedicata a Edvard Munch, con 35 opere in totale. Dunque una sorta di grande mostra nella mostra, prendendo in considerazione gli anni suoi di esordio vicini alla pittura dell’artista norvegese Christian Krogh già a partire dal 1882 - 1883 e poi i due decenni – l’ultimo del XIX secolo e il primo del XX – che ne hanno decretato l’universale fama e hanno creato quella sorta di sigla munchiana che caratterizza e sigilla quel darsi allo spazio interminabile del Nord così come è accaduto anche in letteratura.


Ma riandando alle scuole nazionali prima di Munch, alcuni dipinti a evidenziare, prima dello scavalcamento di metà secolo, la situazione della cosiddetta Golden Age in Danimarca, con le opere tra l’altro di Lundbye e P.C. Skovgaard. Così come in Norvegia una breve introduzione è riservata a Dahl, Balke e Gude; in Svezia a Larson, Berg e Wahlberg e in Finlandia a von Wright e Holmberg. Così da indicare, appunto attorno alla metà dell’Ottocento, il senso di una scoperta del vero naturale, che si affranca dalla nozione di paesaggio ancora post-settecentesco che, a parte alcuni casi di straordinaria qualità da Friedrich a Turner, rende non dissimili le varie nazioni europee


in quella prima parte di secolo. Poi la mostra prende il suo corso solenne, e così nuovo per l’Italia, dentro la seconda metà del XIX secolo, attenta a individuare attraverso la scelta dei dipinti quello sguardo che ha fatto del Nord un luogo non soltanto fisico ma anche dell’anima. E che quindi non può che trovare in Munch il suo logico e imprescindibile punto d’arrivo. Ma prima la schiettezza, la luminosità, il silenzio e il fragore del paesaggio nordico sono interpretazione che talvolta vira verso una problematicità che fa dei luoghi naturali un sentimento arcano e quasi primordiale.



Questo senso del tempo fondo, la chiarità delle estati, la profondità delle notti invernali, il velluto del muschio dell’erba, il bianco dei fiori sotto il bianco delle lune estive, è quello che l’esposizione intende mostrare al pubblico italiano. Ovviamente grazie alla generosità dei principali musei di Norvegia, Svezia, Finlandia e Danimarca, che con larghi prestiti hanno consentito di poter tracciare un panorama del tutto esaustivo di una vicenda pittorica che da alcuni anni non cessa di affascinare, attraverso alcune mostre sia in America che in Europa, il più vasto pubblico degli appassionati. E in questo senso strumento imprescindibile sarà il catalogo di studio, al quale hanno collaborato i maggiori studiosi di quelle nazioni.


Ovviamente la mostra non fa mancare alcuno dei principali protagonisti, a cominciare, in Danimarca, da Ring, Philipsen, Syberg, Gottschalk e soprattutto Hammershøi. A quest’ultimo, la cui vicenda straordinaria venne definitivamente scoperta alcuni anni or sono grazie a una fortunata mostra parigina, è dedicata un’intera sala, comprendente alcuni paesaggi ma soprattutto i fascinosi interni. Per la prima volta esposte in Italia, le opere di Hammershøi, stanno all’apice, tra fine Ottocento e primi anni del secolo successivo, di un percorso che nasce nella luce di cenere degli interni olandesi seicenteschi, ma che tutto trasforma entro la misura di grigi infiniti, che talvolta virano sugli azzurri pallidi. Dando il senso della solitudine di figure che in quegli spazi non si muovono ma restano sospese, come il tempo potesse effettivamente bloccarsi una volta per sempre. E non tornare più.
Edvard Munch Sogno di una notte d’estate. La voce, 1893 Boston, Museum of Fine Arts Ernest Wadsworth Longfellow Fund

Per proseguire tra gli altri, in Norvegia, con Nielsen, Backer, Thaulow, Krogh, Skredsvig; e poi Larrsson, Nordström, Zorn, Jansson, Prince Eugen, Strindberg in Svezia; Edelfelt, Gallen-Kallela, Järnefelt, Churberg, Halonen, Thesleff in Finlandia. Con quelle caratteristiche pittoriche che mettono sempre al centro l’immagine dell’uomo nel grande spazio della natura incontaminata e quasi immisurabile. Entro quel gioco che fa vicini il sentimento romantico e un certo gusto simbolista, come per esempio è bene evidente nel grande artista finlandese Akseli Gallen-Kallela.


La parte finale dedicata a Munch, dove anche una decina di opere su carta costituisce il necessario contrappunto all’opera pittorica, tocca il suo senso più alto nella scelta che dei dipinti è stata compiuta, per essere messi, quei dipinti, in relazione con i pittori scandinavi che Munch precedono. E insomma per costituire, nel loro insieme, quel grande coro tra natura e problematicità della stessa che danno infine il senso vero e compiuto di questa mostra e fanno della Scandinavia una terra che è luce e notte insieme. Il massimo della luce e il massimo della notte.