SA: Dear Anthony thanks a lot for the time you are taking for us. For starters, could you please introduce you in some words?
A: I am 35 years old; I live in the south of France. From 1991 to 1993 I graduated on fine arts at the University of Paris 8, and then I returned to applied arts. Since then I have done quite a few little works but foremost I worked at the theater on stage setting / construction, on stage direction but also on writing and production. I have published two comic books, “Ice Cream” in 2005 and “Hotel Koral” in 2008.

SA: How did you get down to theater?
A: At the University I had a lot of friends who have drawn comics. But due to my return into fine arts I met a lot of people from theater. Always I saw my mother playing in amateur groups and I liked it much, quickly I appreciated the work inside the group, the pleasure of this spirited spectacle which is so contrary to the work of a drawer who is sitting face to face to his drawing board. However the comic never leaved me unless I did let pass by a lot of timebetween the one and the ohter thing to realize a project.
That I only decided with 30 to start again seriously with it depends from the feeling if I would not start now I’ll never do it. Until 2007 I did both activities at the same time but today I don’t work anymore on theater but rather I concentrate only on comics, maybe I turn back there later.

SA: Is there a liaison between theater and comic, for you personally and generally? 
A: The comic is a very formative media, all the work which centers on narrative forms, the stage settings and the characters did conduce me always a lot. You have to lead everything, this entails that one is learning much about the way how to narrate and express the things. It’s just another media but the purpose is the same. If you are telling stories one is nurtured by all, my experiences on theatre serves me of necessity and helps me certainly to stage a situation better, to chose better a coulisse, or to know exactly how the essentials can be brought to the point or how they have to be associated with symbols. Furthermore it is entirely possible to handle explicit theatralic methods like a statically adjustment or a unique décor. I had already tries into this direction. You can adapt perfectly a theater text to a comic. From the technically point of view I sometimes try to think to the illumination like I would be on a stage. So there are a lot of ties. I can see one more, if you tackle a play you try to bring in a special point of view, today Shakespeare isn’t anymore enforcedly done in historically costumes. I could beware this way of reflection. For “Hotel Koral” I built up an American coulisse, even if this wasn’t planed this way in the beginning. Over and above it happens that I change the roles of my characters, like in theater, where one amuse oneself in giving the role of a woman to a man.

SA: Can you imagine an interdisciplinary project between theater and comic? 
A: Surely one could do some things… a meeting would be needed, though I think if it would be a personal project I wouldn’t necessarily mix this two genres. I would prefer to take the theater as a kind of holiday, an occasion to do things I can’t do in my books.

SA: Well, let’s speak about your work. “Hotel Koral” is your second book, could you please tell our readers something about the history, its content and the background. 
A: “Hotel Koral” is due to a pretty precise subject, I wanted to speak about war crimes and genocide, in particular the Second World War. Since I was little I am sensitized for this item because of my grand uncle who was a Spanish republican and survivor of Mauthausen*.Recently he died. I have always asked me questions in relation to the survival of memory. This as well is the starting point, though I didn’t want to speak too much detailed about the Shoah. I did research about other tragedies like Cambodia under the Khmer Rouge. I wanted to try to extract the common points, but however I hadn’t the wish to give all that a too much complete perception… I knew that I have to remember certain moments. But I did orientate myself on some kind of coterie, based on the fact of the encounter of a victim with its deathsman…

SA: Like your first book this one also is a political thriller.
A: No first my book was an ambient thriller, no politics, much more about metaphysics; the main character is searching the approximation to death. Actually I feel more comfortable with ambient histories, which are woven around humanly relationships. The thriller genre is nothing more than the wrapping, a system to spur the story, a pretense on the dissection of the humanly protract… there are chances that this a bit political insertion of “Hotel Koral” was an exception. By the way, the manner in which I handled this subject is from the political point of view rather soft.

SA: Your drawings are all in hatching and your streak is extremely realistic, dynamic. If one contemplates your pictures one gets the feeling after a while they would start to move.
A: When I started to realize “Ice Cream” I posed me questions about the style of the streak, the streak of the outlines, in the beginning I wanted to work in a much lighter, lesser realistic style. But during my sketches, I dislocated the problem; by only working with meanings, without outlines, this brought me in the direction which I characterize as photographically. Upon spending a long period without drawing, I had the needing to work on my range of variation, to analyze the light and the shadow, and I didn’t feel save enough to simplify too fast, this is from where this pretty searched expression results. On the other hand I wanted to do all with a minimum of instruments; I have chosen the ball pen, at first a very thankless media, this was some kind of personal challenge, maybe a bit arrogant…

SA: How do you conceive your stories and in which way you’re operating to enhance them until the end?
A: My method of operation, if there’s any, is currently in the state to develop further with every new book. Till then I preferred to write the stories in a for the comic quiet customarily style, in form of a storyboard with speech balloons, in this way it was easier for me to write. In my first one I took myself from the beginning of the first frameworks the freedom to expedite the drawings and to forget a bit about the text, when the drawings have been finished once, the dialogues intended in the speech balloons weren’t any more compatible with the much more slower rhythm of two pictures per page and I rewrited the complete text.. For the second one I followed a little longer my first storyboard, I only customized it into a split of two fields... For the upcoming third, I am writing the story before I draw it, so I have a completely screenplay in my hands. It is right that the comic is a work of long breath and till now, to approach, I tried to find a balance between a little improvisation (the freedom to do changes which arise over the times) and the necessity to follow a leading line, which allows not putting anything into question in any time.

SA: Some artists say that they are drawing something (a subject) to understand it better… you as well?
A: I am trying to narrate a story and I’m drawing, because I feel much more comfortable inside this medium, than on simple writing. For this reason I believe I am drawing foremost to pose questions. Oftentimes I just like to draw very quotidian objects, to commemorate the fact that behind all these things, we imagine to know so perfectly, are hidden big mysteries. I don’t think I understood better the finished drawings. A drawing would become more a proof of the failure in apprehending the reality, but that's precisely what makes us try over and over again. So, like said, we can consider that this means an attempt in better understanding the world, but in vain.

SA: Which are for you the most interesting facets on in this métier?
A: The staging in totally freedom, to create situations and characters, to sight how they develop under your eyes until the moment in which they elude. Without any budget limitation (in comparison to cinema)

SA: From where are you taking your inspiration? And what gives the discipline and energy to keep up a work such intense?
A: Inspiration I pitch on a little from everywhere, the life, readings, pictures…
In the early stages it was a childhood dream; it evolved to a chance, a chance to do what I enjoy. But it is also a work, which doesn’t however take something from this dream. I’ve got a industrious core, regularly discipline doesn’t raise difficulties to me. In addition to this I have got a little family and I intend to a certain success to nourish them, probably that’s my “son of immigrants” site.

SA: In you first book you‘ve used panel frames, in your second one not anymore and you utilize solely two pictures per page.
A: After departing from comics for a while, I had the needing to spread out in front of me the basics of narration to better understand how a story can be told emanating from a minimum of narration.
I’ve done everything in the same time; I needed a regular frame to come forth. Thereby am very interested in photograph artists I try to find different forms of adjustments to enrich my reflexes beyond the stereotypes of comics. Leaving behind the panel frames in the second was a way to better show the drawings as they was designed, and not just to show them as if it they are photos, I don't know if that works...

SA: What you prefer, the phase of research, the evolvement and elaboration or the moment in which the book is finished? What you are feeling when you brought a book to the end? Are you thinking already about the next one?
A: The moment in which a story starts to sprout is the most exciting, in this moment everything is possible. Afterwards you take choices, which means you abstain from things, that’s painful, but then you immerse and reach a second phase, the story gains denseness, also very interesting, when the characters start to exist. There are a lot of little pleasures to find during the elaboration which allow moving further on, but it isn’t any more the total freedom of the first moments. When a book then once is published it is already far away. I took delight to see the success of my work, but in the same moment the fear of the audience eye comes up, the book doesn’t belong anymore to us… I had to turn towards a new project instantly, that’s what keeps me on going.

SA: How you are choosing your stories if you say you get inspired by your reading and the picture you behold? How you approach on storyboard and scenario?
A: During the phase of creation I usually consume a lot of things, I am looking at a lot of photos and movies, I read… I need stuff. The more I go further on, the less stuff I want to see, otherwise I would change to fast the direction. In other respects am oftentimes a basic structure of three acts, script, nexus, transaction. I use the style of crime fiction to push the story; I am preparing a sort of intrigue even if I am far from a real investigation. On the pictures I let me lead of what I like to draw.

SA: Ok let us draw conclusions… You say that the comic gives the as biggest as possible freedom to the authors simply by drawing every story they want in all their facettes… which gives an extraordinary freedom of narration… If you, as you have done in you last story, evoke a political aspect by speaking about wars and human rights… do you think that the medium art should take up a ethical responsibility, or should one be able to follow a certain line, without any boarders, to express everything that is on the mind of the respective artist however shocking it might be? 
A: In matters of the artistic medium in general I don’t have an answer to this, except that it could be surely good for those who like to unsettle and shock. The medium art should beware freedom as then every creator takes this over with his own conscience. I imagine that everything is permitted as long you don’t become criminal. I feel more comfortable with misappropriation than with destabilization. That’s more my type of nature.

SA: Is there anything you would never ever like to draw? 
A: No, I don’t know. I only draw what I like, then I imagine I would make a list of things I don’t see me painting, but this could be not too much interesting and also it could change. Nevertheless I can say that I don’t feel comfortable with too many violent or unvarnished pictures.

SA: As well you have worked for fanzines? Which ones? What have you done? Are you doing still?
A: This was during my time at university, from 1991 to 1993, a fanzine called “Beurk”. I was drawing short stories. Since these days I haven’t done anything anymore for fanzines, only a couple of works for the press.

SA: What are the differences and difficulties to work for a magazine and to draw your own stories?
A: Ok, if it’s a not so exciting job you solace yourself with the aspect of food, or you don’t do it. If it’s something interesting you do it with pleasure, like it would be your own work. Probably it’s less engaging because usually it doesn’t last that long. I don’t know what else I shall say about this. I am not so adeptly on this domain.

SA: Could a subject like the difference on peoples mindset give you delight to draw?
A: That’s a bit sketchy. I am thinking constantly about what happens in the heads of other people because I am as well taken of two cultures, the French and the Spanish, I have the feeling that I am speaking about this already.

SA: Could you tell us something about the codes you utilize in your drawings?
A: Well, I am not so sure if I am able to give here a highfalutin analyzes about codes I utilize, nor I am aware of them. I am constantly a little on research and still at the beginning of my work; therefore I haven’t the required distance to refer about it. Maybe I could say that I’ve chosen the realistic illustration, a hype realistic point of view, with a focusing which have could been done with a camera, assuming to put readers in a comfortable and familiarly relation to my pictures. In a first approach; because afterwards I use that to destabilize to some degree. As well I am trying to enlarge everyday’s reality up to a symbolic level.

SA: France is a big comic- nation, with its own history on it, Germany not. During my research on independent comics I did hit upon a lot of complaining related to its cultural appreciation.
I met a phrase of an Austrian man who lobbies in an affectionate way to clear this nuisance out, he says: “The future of comics is in the dialogue among the disciplines”. Could you give us your own interpretation about this, from the view of a French?
A: It is clear that the comic, even if peoples notion about have seen an enormous progress during the past years (in France certain titles have meanwhile found their way in so called “serious” bookstores), in the view of most still is considered as nothing more than light fiction which can be consumed easily and foremost reserved to the youth. Also a lot of people concede that they haven’t any access to this media, they literally can’t manage to read a comic. To recapitulate and caricature it a bit; the comic is something you have to start when you are young otherwise you’ll never comprehend it and if you still use it when you are older you couldn’t manage to grow up! Well, it just develops; I think it’s difficult to give fast solutions to such a complex item. The dialogue among the disciplines does exist already, it is good he does proceed and if it will be advanced, but I don’t know if this can solve everything. Actually the comic needs to accentuate itself and not wait until he’ll be brought to honor due to another media, otherwise he impends to get lost in the background. In the end one should discuss this with this Austrian friend; I can imagine he comprehends a lot of things behind this phrase.

SA: How do you measure success and greatness not only in a personal view but also related to the artistically approach?
A: I found the idea of success and the power of an oeuvre in essence on continuance. Always having the delight, the pleasure, to go on searching, remaining honest and demanding in his creation, having the valor to take curves of 90 degrees, all this… This is what success constitutes to me. Another thing is having success. I think if one is undesigning and earnestly on what he does, you encounter your audience inevitably. But it is difficult to comprehend why a certain book (or panel) works better than another one, this is a complex kind of alchemy and maybe it’s better if the creator doesn’t afflict himself too much with this analysis. Sometimes you have the enthusiastic feeling that what slipped out is something big, but sometimes you err with this. In any way, what you dig out again after a while and still works has got chances to be good… so, again continuance.

SA: Could you tell us a little bit more about your current project „ Las Rosas“?
A: This is a pretty massive project, it will comprise more than 300 pages, containing a much more free cut-out (I abandoned the two squares per page and I use speech balloons). The story happens in a dessert, a village of women, a caravan village, and is located on the brink of a road and a gas station, at the frontier between Mexico and the United States, without ever knowing on which site you are. So, the diegesis is about women but also about paternity, love… The story is constructed around several key figures, whose state of mind, disappointments, fears, hopes and dreams one follows. So, the title is “Las Rosas” and the subtitle is “Western tortilla à l’eau de rose”. The drawing technique is very different. And the publishing is planned for the beginning of the next year.

SA: Are there any other projects for the future?
A: Not in the moment. Maybe there’ll be a sequel to “Las Rosas”, but I don’t really know by now there could be something else over the time.

SA: What kind of music are you listening?
A: Tom Waits, Manu Chao, Alain Bashug, Jazz, Rap (RZA for example), Spanish bands (Muchachito, Macaco), Flamenco… in the end a lot of things.

SA: How is the living in the south of France in comparison to Paris?
A: It’s much hotter, people are lesser stressed and they have more space between each others. I live in a small village, so everything is different; the nature is much closer… As on everything, there isn’t an ideal place, everything depends from the moment in which one lives right now. I feel comfortable here in the moment, especially as for my family life.

SA: Well, Dear Anthony I thank you a lot for this very sympatic interview, anything you would like to say at the end? 
A: Thanks a lot to you.

SA: Likewise thanks!

SA : Cher Anthony, un grand merci pour le temps que tu nous accordes. Tout d'abord, peux-tu te présenter en quelques mots? 
A : J'ai 35 ans, je vis dans le sud de la France. J'ai fait un Deug d'Arts plastiques à l'université Paris 8, de 1991 à 1993, puis je suis rentré aux Arts décoratifs de Paris jusqu'en 1996. Depuis j'ai fait pas mal de petits boulots mais j'ai essentiellement travaillé dans le théâtre, à la création/ construction de décor, à la régie mais aussi à l'écriture et à la mise en scène. J'ai publié deux BD, " Ice Cream " en 2005 et " Hotel Koral " en 2008.

SA : Comment t'es-tu retrouvé dans le milieu théâtral?
A : A l'université j'avais beaucoup d'amis qui faisaient de la BD, mais en rentrant aux Arts-Déco j'ai commencé à rencontrer des gens dans le théâtre. J'avais toujours vu ma mère jouer dans des troupes amateurs et j'aimais ça. J'ai vite apprécié le travail en groupe, le plaisir du spectacle vivant, très opposé au travail solitaire du dessinateur face à sa planche à dessin. Mais la BD ne m'a jamais quitté, sauf que, entre une chose et l'autre, j'ai mis du temps à aboutir un projet. Ce n'est qu'à 30 ans que j'ai décidé de m'y remettre sérieusement, si je ne le faisais pas là, j'avais l'impression que je ne le ferai jamais. Jusqu'en 2007 je menais mes deux activités parallèlement mais aujourd'hui je ne travaille plus dans le théâtre, je me concentre sur la BD. J'y reviendrai peut-être plus tard.

SA : Est qu'il y a une accointance entre la bande dessinée et le théâtre, pout toi ou en général?
A : La BD est très formatrice, ça m'a toujours servi, tout le travail que l'on fait autour de la narration, des décors, des personnages. On doit tout gérer et se faisant on apprend beaucoup sur le fait de raconter et d'exprimer des choses. Ce n'est qu'un médium différent mais le but est le même. Quand on raconte des histoires on se nourrit de tout, mon expérience dans le théâtre me sert forcément aujourd'hui et m'aide certainement à mieux mettre en scène une situation, à mieux choisir un décor, ou à savoir bien aller à l'essentiel, ou encore à s'attacher aux symboles. Il est aussi tout à fait possible de se servir plus explicitement de procédés théatraux, comme un plan fixe, un décor unique. J'ai déjà fait des essais dans ce sens. On peut très bien adapter un texte de théâtre en BD. D'un point de vue technique, j'essaie de penser parfois aux éclairages comme si j'étais sur une scène. Il y a donc de multiples ponts. J'en vois encore un, quand on aborde une pièce de théâtre on essaie d'apporter une vision particulière, on ne fait pas forcément du Shakespeare en costumes d'époque aujourd'hui. J'ai gardé ce genre de réflexes. Pour " Hotel Koral " j'ai planté un décor américain alors que ce n'était pas prévu au départ. Ça m'arrive aussi d'inverser des rôles pour mes personnages, comme au théâtre quand on s'amuse à donner un rôle masculin à une femme par exemple.

SA : Est que tu peux imaginer un projet interdisciplinaire entre le théâtre et la BD?
A : On peut sûrement faire des choses... Il faudrait une rencontre... Si c'était un projet personnel je pense que je ne mélangerai pas forcément les genres, je prendrais plutôt le théâtre comme des vacances, l'occasion de faire des choses que je ne peux pas faire dans les livres.

SA : Alors, parlons de ton travail.
"Hotel Koral" est ton deuxième livre. S’îl te plait, peux-tu dire à nos lecteurs quelque chose sur l’histoire et l’arrière-plan? 
A : " Hotel Koral " est venu d'un thème assez précis, je voulais parler des crimes de guerre, des génocides, notamment de la deuxième guerre mondiale. Je suis sensibilisé à ses thèmes depuis tout petit par mon grand oncle qui était un républicain espagnol survivant de Mauthausen*. Il est décédé depuis peu. Je me suis toujours posé des questions par rapport à la survivance de la mémoire. Voilà le point de départ mais je ne voulais pas parler trop précisément de la Shoah. Je me suis documenté sur d'autre tragédie comme celle du Cambodge sous les khmers rouges. Je voulais essayer d'en retirer des points communs, mais je n'avais pas l'ambition d'en donner une vision... Je savais que je devrais juste en évoquer quelques aspects. Je me suis orienté vers une sorte d’huis-clos en partant sur la rencontre d'une victime et de son bourreau...

SA : Comme ta première BD, c’est aussi un thriller politique.
A : Non la première est un polar d'ambiance, rien de politique, plutôt de la métaphysique, le personnage principal cherche à approcher la mort. En fait je suis plus à l'aise avec des histoires d'ambiance, tissées autour des relations humaines... Le genre du polar ou du thriller n'est qu'un emballage, un système pour faire avancer l'histoire, un prétexte à l'analyse des atermoiements humains. Il y a des chances que cette parenthèse un peu plus politique d' " Hotel Koral " soit une exception. D'ailleurs le traitement que j'en ai fait est plutôt assez flou sur l'aspect politique.

SA : Tes dessins sont tout en hachures, et ton trait est extrêmement réaliste, dynamique. En regardant les images pendant un moment, on a l’impression qu’elles commencent à bouger.
A : Quand j'ai commencé à réaliser "Ice cream", je me posais des problèmes sur le style du trait, le trait de contour, j'avais au départ prévu de travailler dans un style beaucoup plus lâché et moins réaliste. Au fil des essais, j'ai fini par évacuer ce problème en travaillant uniquement avec des valeurs, sans contour, cela m'a amené vers un rendu que je qualifierais de photographique. Après une longue période que j'avais passé sans dessiner j'éprouvais le besoin de travailler mes gammes, analyser l'ombre et la lumière, et ne me sentais pas assez confiant pour simplifier trop vite, d'où ce style assez fouillé. Par contre je voulais le faire avec un minimum de moyen, j'ai choisi le stylo à bille, médium ingrat au départ, c'était un espèce de challenge personnel, peut-être un peu vaniteux...

SA : Comment conçois-tu tes histories et comment procèdes-tu pour les emmener jusqu’au bout?
A : Ma méthode de travail, s'il y en a une, est en train d'évoluer à chaque nouvel album. Jusqu'à présent j'avais plutôt écris l'histoire en la dessinant sous forme d'un story-board assez classique pour de la BD, avec des bulles, c'est comme ça que j'écrivais plus facilement. Pour mon premier j'ai pris la liberté d'improviser à partir de ce premier canevas en avançant par le dessin en oubliant un peu le texte, une fois les dessins terminés les dialogues que j'avais prévu dans des bulles ne collait plus au rythme beaucoup plus lent des deux images par page et j'ai retravaillé un texte complètement différent. Pour le deuxième j'ai un peu plus suivi mon premier story-board, j'ai juste réadapté à un découpage en deux cases. Pour le troisième, à venir, j'ai écris l'histoire avant de dessiner, j'ai donc en main un vrai scénario écrit. C'est vrai que la BD est un boulot de longue haleine et jusqu'à maintenant j'ai essayé de trouver, pour avancer, un équilibre entre un peu d'improvisation (la liberté d'accueillir les changements qui s'imposent avec le temps qui passe) et la nécessité de suivre une ligne conductrice qui permet de ne pas tout remettre en cause à chaque instant.

SA : Quelques artistes disent qu’ils dessinent quelque chose (un thème) pour le comprendre mieux… toi aussi?
A : J'essaie de raconter une histoire, et je dessine par ce que je suis plus à l'aise avec ce médium qu'avec l'écriture seule. Du coup je crois que je dessine plutôt pour poser des questions. Souvent j'aime justement dessiner des objets très quotidiens, pour évoquer le fait que derrière ces choses que l'on croit connaître se cache des grands mystères. Je ne crois pas que le dessin fini je les ai mieux comprises. Le dessin serait plutôt un constat d'échec à appréhender la réalité, mais c'est ce qui fait que l'on a toujours envie de réessayer, et donc, ayant dit ça, on peut considérer que ça revient à essayer de mieux comprendre notre monde mais dans une tentative vaine.

SA : Quelles sont pour toi les facettes les plus intéressantes dans ce métier?
A : Mettre en scène en toute liberté, créer des situations et des personnages et les voir évoluer sous mes yeux jusqu'à ce qu'ils m'échappent. Sans restriction de budget (en comparaison avec le cinéma ).

SA : D’où prends-tu ton inspiration?
Et qu'est-ce qui te donnes la discipline et l’énergie de faire un travail aussi intense?
A : L'inspiration je la pioche un peu partout, de la vie, de lectures, d'images...
Au départ c'était un rêve d'enfant, c'est devenu une chance, la chance de faire ce qui me plaît. Mais c'est un travail aussi, et ça n'enlève rien au rêve. J'ai le côté travailleur, avoir une discipline régulière ne me pose pas de problèmes. Et puis j'ai une petite famille et je compte bien réussir à la nourrir, ça c'est mon côté fils d'immigré.

SA : Dans ton premier livre tu as donné un cadre à tes images, plus dans le deuxième, pourquoi? Et aussi t’utilises uniquement deux images par page.
A : Après m'être écarté de la bande-déssinée pendant quelques temps j'ai éprouvé le besoin de remettre à plat les bases de la narration pour comprendre comment raconter une histoire, partir du minimun narratif. Je faisais tout en même temps, j'avais besoin d'un cadre régulier pour avancer. En m'intéressant à des artistes photographes je cherche à trouver d'autres façons de cadrer pour enrichir mes réflexes BD plein de stéréotypes. Abandonner les tours de cases dans le deuxième était une façon de mieux montrer le dessin en train se faire, de moins le montrer comme une photo, je ne sais pas si ça marche...

SA : Qu'est-ce que tu préfères, la phase de recherche, de développement et d’élaboration où le moment quand le livre est fini ? Quelle sont tes émotions quand tu as fini un livre ? Penses-tu déjà aux prochains?
A : Le moment où l'histoire commence à germer est particulièrement excitant, ce moment où tout est encore possible. Après on fait des choix, c'est à dire qu'on abandonne des choses, c'est plus douloureux, mais ensuite on approfondit et on rentre dans une deuxième phase où l'histoire prend de la densité, ça aussi c'est intéressant, quand les personnages commencent à exister. Tout au long de l'élaboration on se trouve des petits plaisirs pour permettre d'avancer mais ce n'est plus comme ces premiers moments de liberté totale. Une fois le livre publié, il est déjà loin, j'ai eu du plaisir à voir le travail abouti, mais simultanément vient l'angoisse du regard du public, le livre ne nous appartient plus... J'ai besoin de repartir tout de suite sur un nouveau projet, c'est ça qui me tient.

SA : Comment choisis-tu tes histoires, si tu dis que tu prends tes inspirations de tes lectures et des images que tu regardes? Comment avances-tu pour développer et transformer ton scénario et ton storyboard? 
A : Dans la première phase de création en général je consomme beaucoup de choses, je regarde beaucoup de photos, de films, je lis... J'ai besoin de matière. Puis plus j'avance, moins je veux voir de choses, moins je lis, sinon je changerai de directions trop souvent. Sinon, je suis souvent une structure basique en trois actes, présentation, nœud, dénouement. Je me sers d'un style de littérature policière pour faire avancer l'histoire, je mets en place une sorte d'intrigue, une sorte de suspens même si je suis souvent loin d'une vraie enquête. Pour les images, je me laisse guider par les choses que j'ai envie de dessiner.

SA : Alors, faisons un petit résumé...
Tu dis que la BD est un médium qui donne aux auteurs la plus grande liberté possible pour raconter simplement au travers du dessin toutes les histoires qu’ils veulent dans leurs nombreuses facettes… ce qui donne une liberté extraordinaire à la narration… Quand tu évoques, comme dans ta dernière histoire, un aspect politique en parlant de la guerre et des droits de l’homme... Est-ce que tu penses que le media artistique a une responsabilité éthique où peut-il suivre une ligne directe, sans frontières, pour exprimer tout ce qu'il y a dans l'esprit de l’auteur, quand bien même ce serait choquant?
A : Je n'ai pas de réponse par rapport au média artistique en général, si ce n'est que déranger ou choquer pour ceux qui aiment le faire est sûrement bien. Le média artistique doit rester libre je suppose, ensuite chaque créateur assume et fait avec sa propre conscience. J'imagine que tout est permis tant qu'on ne devient pas criminel. Pour ma part, je suis plus à l'aise dans le détournement que dans le dérangement je crois. C'est plus dans ma nature.

SA : Est-ce qu'il y a quelque chose que tu n'aimerais jamais avoir à dessiner, jamais? 
A : Non je ne sais pas. Je ne dessine que ce qui me plaît, alors j'imagine que je pourrais faire une liste de choses que je ne me vois pas dessiner, mais ça ne serait peut-être pas très intéressant et puis ça pourrait changer. Je peux quand même dire qu'en général je ne suis pas à l'aise avec des images trop violentes ou trop crues.

SA : Tu as travaillé aussi pour quelques fanzines ? Les quels ? Que faisais-tu? Le fais-tu encore?
A : Ça date de mes années à l’université, de 1991à 1993, un fanzine qui s'appelait " Beurk ". J'y dessinais des histoires courtes. Depuis, je n'ai plus rien fait dans des fanzines, seulement quelques boulots dans la presse.

SA : Quelles sont les différences et les difficultés entre travailler pour un magazine et dessiner ta propre histoire? 

A : Hé bien, si c'est un boulot inintéressant, on se rassure en pensant à l'aspect alimentaire, ou on ne le fait pas. Et si c'est intéressant on le fait avec plaisir, comme on ferait pour un boulot personnel. Bien sûr c'est moins prenant parce qu'en général ce n'est jamais aussi long. Je ne sais pas que dire d'autre, je n'ai pas beaucoup d'expériences dans ce domaine. 

SA : Est-ce qu'un thème comme la différence de mentalité entre les peuples pourrais te donner envie de dessiner?
A : C'est un peu vague. Je me pose toujours des questions sur ce que les gens ont dans la tête et comme je suis moi-même pris entre deux cultures, la France et l'Espagne, j'ai l'impression que je parle sûrement déjà de ça. 

SA : Pourrais-tu nous parler des codes de représentation que tu utilises dans tes dessins?
A : Hé bien, je ne sais pas si je suis capable de faire une analyse poussée des codes que j'utilise, ni si j'en suis tout à fait conscient. Je suis toujours un peu en recherche et encore aux balbutiements de mon travail, donc je n'ai pas encore beaucoup de distance par rapport à ce que je fais. Je peux peut-être dire que j'ai choisi jusqu'à maintenant un rendu réaliste voir hyperréaliste, avec des cadrages qu'on pourrait faire avec un appareil photo, dans un souci de mettre le lecteur dans un rapport confortable et familier avec les images. Dans un premier temps parce qu'ensuite je m' en sers plutôt pour déstabiliser. J'essaie aussi de pousser le réel du quotidien jusqu'au symbolique.

SA : La France est une grande nation de Bande-Dessinée, avec son histoire propre, l'Allemagne non. Au cours de ma recherche sur la BD indépendante, j'ai pu me rendre compte qu'il y avait beaucoup de mécontentement par rapport à l'appréciation culturelle de la BD. Et je suis tombée sur une phrase d'un Autrichien qui travaille à améliorer cet état de fait, il dit : " Le futur de la BD se trouve dans le dialogue entre les disciplines." Peux-tu nous donner ta propre interprétation en tant que français?
A : Il est clair que la BD, même si elle a beaucoup évoluée ces dernières années dans la vision que les gens en ont ( en France certains titres ont maintenant toute leur place dans des librairies dites " sérieuses " de littérature générale ), elle n'en reste pas moins encore considérée par le plus grand nombre comme un divertissement léger, vite consommée et surtout réservée aux jeunes. Beaucoup de gens avouent aussi n'avoir pas accès à ce média, littéralement ils n'arrivent pas à lire la BD. Pour résumer et en caricaturant un petit peu la BD est un truc qu'on démarre petit ou sinon on n'y comprend rien, et si on le pratique encore en étant grand c'est qu'on n'a pas grandi!  Alors, ça évolue justement, je pense qu'il est difficile de donner des solutions rapides au problème, c'est complexe. Le dialogue entre les disciplines existe déjà, qu'il continue, qu'il soit poussé c'est très bien, mais je ne sais pas si ça résout tout. La BD doit être réellement mise en valeur en tant que telle, et ne pas attendre qu'un autre média la mette à l'honneur, elle risque de disparaître derrière. Enfin, il faudrait discuter avec cet ami Autrichien, j'imagine qu'il sous-entendait pas mal de choses derrière cette phrase...

SA: Comment tu évalues le succès et la grandeur, d'un point de vue personnel mais aussi dans l'approche et la chose artistique?
A : Je place cette idée de succès et de force d'une oeuvre essentiellement dans la durée. Avoir toujours envie de faire, avoir du plaisir, continuer à chercher, rester exigeant et honnête dans sa production, avoir le courage de prendre des virages à 90 degrés, tout ça... Pour moi c'est ce qui ferait le succès. Quant à avoir du succès ça c'est une autre affaire. Je pense qu'en étant vrai et sincère, en faisant avec ce qu'on est on rencontrera forcément son public. Mais, il est difficile de savoir pourquoi un livre (ou un tableau) marche plutôt qu'un autre, cette une alchimie complexe, et peut-être qu'il vaut mieux pour le créateur de ne pas trop se frotter à cette analyse. On a parfois ce sentiment enthousiasmant que quelque chose est fort, quand ça nous échappe, mais parfois on se trompe. En tout cas ce qu'on ressort après pas mal de temps et qui marche encore, a des chances d'être bien... Encore la durée.

SA : Peux-tu nous en dire un peu plus sur ton projet en cours, "Las Rosas"? 
A : C'est un projet assez dense, il y aura un peu plus de 300 pages, avec un découpage plus libre ( j'ai abandonné les deux cases par page, et utilise des bulles ). L'histoire se déroule dans un désert où un village de femmes, fait de caravanes, est planté au bord d'une route et d'une station-service, à la frontière entre le Mexique et les États-Unis sans qu'on sache jamais de quel côté on est. Ça parle donc de femmes, mais aussi de paternité, d'amour... C'est une histoire construite autour de plusieurs personnages clés dont on suit les états d'âmes, les désillusions, les angoisses, les espoirs et les rêves. Le titre est donc " Las Rosas " et le sous-titre " Western tortilla à l'eau de rose ". La technique de dessin sera assez différente. Publication prévue en début d'année prochaine.

SA : D'autres projets pour le futur?
A : Pas pour l'instant, peut-être que " Las Rosas " aura une suite, mais je ne sais pas encore s'il y aura quelque chose d'autre entre temps.

SA : Quelles musiques écoutes-tu?
A : Tom Waits, Manu Chao, Alain Bashung, du jazz, du rap ( RZA par exemple ), des groupes espagnols ( Muchachito, Macaco ), du flamenco... enfin plein de trucs.

SA : Comment c’est la vie dans le sud de la France par rapport à Paris?
A : Il fait plus chaud, les gens sont moins stressés et on a plus de place, entre autres. Je vis dans un petit village donc tout est très différent, la nature est plus proche... Quand au reste il n'y a pas d'endroit idéal, tout dépend du moment qu'on vit. Moi je me sens bien ici en ce moment, surtout pour ma vie de famille.

SA : Hé bien cher Anthony, je te remercie beaucoup pour cette interview très sympathique, voudrais-tu rajouter quelque chose pour finir?
A : Merci beaucoup à toi.

SA: Également Merci !

SA: Lieber Anthony vielen Dank für die Zeit di Du Dir für uns nimmst. Könntest Du Dich zuerst mit ein paar Worten vorstellen?
A: Ich bin 35 Jahre alt und lebe im Süden Frankreichs. Von 1991 bis 1993 habe ich meinen Abschluss in Bildender Kunst an der Universität von Paris 8 gemacht, und bin dann ins Kunstgewerbe zurückgekehrt, bis 1996. Seitdem habe ich einen Haufen kleiner Arbeiten gemacht aber im Wesentlichen habe ich im Theater in der Bühnenbildnerei, der Regie aber auch in der Inszenierung und an Drehbüchern gearbeitet. Ich habe zwei Comics veröffentlicht, 2005 „Ice Cream“ und „Hotel Koral“ 2008.

SA: Wie bist Du zum Theater gekommen?
A: An der Universität hatte ich viele Freunde die Comics zeichneten. Dadurch dass ich in die Bildende Kunst zurückging habe ich eine Menge Leute aus dem Theater getroffen. Ich habe meine Mutter immer in Amateurtruppen spielen sehen und das sehr gemocht, schnell die Arbeit in der Gruppe zu schätzen gelernt, das Vergnügen dieses lebendigen Spektakels; was sehr gegensätzlich zu der der einsamen Arbeit eines Zeichners ist, der Angesicht zu Angesicht mit seinem Zeichenbrett sitzt. der Comic hat mich jedoch nie losgelassen, außer dass ich zwischen der einen und anderen Sache viel Zeit habe verstreichen lassen um ein Projekt umzusetzen. Dass ich erst mit 30 beschlossen habe damit wieder ernsthaft anzufangen hat damit zu tun, dass ich den Eindruck hatte wenn ich jetzt ich damit anfange, dann werde ich es nie mehr tun. Bis 2007 habe ich beide Aktivitäten parallel zueinander laufen lassen aber heute arbeite ich nicht mehr im Theater sondern konzentriere mich nur noch auf den Comic, vielleicht kehre ich später dorthin zurück.

SA: Gibt es eine Verbindung zwischen Theater und Comic; für Dich persönlich und generell?
A: Der Comic ist ein sehr Gestalt gebendes Medium, die ganze Arbeit die sich um die Erzählformen, das Bühnenbild und die Figuren dreht hat mir immer gedient. Man muss alles leiten, was dazu führt das man eine Menge darüber lernt wie man Dinge erzählt und ausdrückt. Es ist nur ein anderes Medium die Absicht jedoch ist dieselbe. Wenn man Geschichten erzählt nährt man sich von allem, meine Erfahrung aus dem Theater dient mir heute gezwungenermaßen und hilft mir natürlich eine Situation besser zu inszenieren, eine Kulisse besser zu wählen, oder genau zu wissen wie man das wesentliche auf den Punkt bringt oder mit Symbolen verbindet. Außerdem ist es zur Gänze möglich sich explizit den theatralen Methoden, wie einer statischen Einstellung, einem einzigartigen Dekor, zu bedienen. Ich habe schon Versuche in diese Richtung unternommen. Man kann einen Theatertext sehr gut in einem Comic umsetzten. Aus Technischer Sicht versuche ich manchmal an die Beleuchtung zu denken als wäre ich auf einer Bühne. Es gibt also viele Verbindungen. Ich sehe noch eine, wenn man ein Theaterstück angeht versucht man eine spezielle Sichtweise einzubringen, man macht Shakespeare heutzutage nicht notgedrungen in historischen Kostümen. Diese Art der Reflexion habe ich mir bewahrt. Für „Hotel Koral“ habe ich eine amerikanische Kulisse aufgebaut obwohl das am Anfang nicht so geplant war. Außerdem kommt es vor, dass ich die Rollen meiner Figuren vertausche, wie im Theater, wenn man sich damit vergnügt die Rolle einer Frau einem Mann zu geben.

SA: Kannst Du Dir ein interdisziplinäres Projekt zwischen Theater und Comic vorstellen?
A: Man könnte da sicher Sachen machen… es bräuchte dazu ein Zusammentreffen… jedoch denke ich wenn es ein persönliches Projekt wäre würde ich diese beiden Genres nicht unbedingt miteinander mischen, ich nähme das Theater lieber als eine Art Ferien, die Gelegenheit Dinge zu tun die ich meinen Büchern nicht machen kann.

SA: Also, lass uns über Deine Arbeit sprechen.
„Hotel Koral“ ist Dein zweites Buch. Kannst Du unseren Lesern bitte etwas über die Geschichte und ihren Hintergrunderzählen?
A: „Hotel Koral“ rührt von einem ziemlich präzisen Thema her, ich wollte über Kriegsverbrechen und Genozide, im Besonderen den zweiten Weltkrieg sprechen. Ich bin von klein an durch meinen Großonkel für dieses Thema sensibilisiert, der ein spanischer Republikaner und ein Überlebender von Mauthausen* war. Vor kurzem ist er verstorben. Ich habe mir immer Fragen in Bezug auf die Beständigkeit des Gedächtnisses gestellt. Das also ist der Ausgangspunkt, ich wollte jedoch nicht zu detailiert über die Shoah sprechen. Ich habe über andere Tragödien recherchiert wie Kambodscha unter den Roten Khmer. Ich wollte versuchen da gemeinsame Punkte herauszuziehen hatte jedoch nicht den Wunsch dem ganzen eine vollständige Sichtweise zu geben… Ich wusste, dass ich an einige Augenblicke genau erinnern sollte. Ich habe mich an einer Art geschlossenen Gesellschaft orientiert, ausgehend von der Begegnung eines Opfers mit seinem Henker…

SA: Wie Dein erstes Buch ist auch dieses ein Politthriller.
A: Nein, mein erstes Buch ist ein atmosphärischer Krimi, keinerlei Politik, eher Metaphysik, die Hauptfigur sucht die Annäherung an den Tod. Tatsächlich fühle ich mit atmosphärischen Geschichten die um menschliche Beziehungen gewebt sind, viel wohler. Das Krimi- oder Thriller Genre ist nichts weiter als die Verpackung, ein System um die Geschichte voranzutreiben, ein Vorwand bei der Analyse des menschlichen Hinauszögerns…. Es gibt Chancen dass dieser etwas politischere Einschub von „Hotel Koral“ eine Ausnahme war. Übrigens ist die Art wie ich dieses Thema verarbeitet habe aus politischer Sicht, eher weich.

SA: Deine Zeichnungen sind alle in Schraffur, und Dein Strich ist extrem realistisch, dynamisch. Wenn man Deine Bilder betrachtet bekommt man nach einer Weile den Eindruck sie würden anfangen sich zu bewegen. 
A: Als ich damit angefangen habe „Ice Cream“ zu realisieren habe ich mich Fragen über den Stil des Strichs gestellt, den Strich der Konturen, zu Beginn hatte ich vor in einem viel leichteren nicht so realistischen Stil zu arbeiten. Während der Entwürfe, habe ich dieses Problem jedoch verlagert indem ich nur mit den Bedeutungen gearbeitet habe, ohne Kontur, das hat mich in die Richtung geführt die ich als photographisch charakterisiere. Nachdem ich lange Zeit ohne Zeichnen verbracht habe, hatte ich das Bedürfnis an meiner Variationsbreite zu arbeiten, den Schatten und das Licht zu analysieren, und ich habe mich nicht sicher genug gefühlt zu schnell zu vereinfachen, woher diese ziemlich durchforschte Ausdrucksweise kommt. Wiederum wollte ich das alles mit einem Minimum an Mitteln machen, ich habe den Kugelschreiber gewählt, ein zu Anfang undankbares Mittel, das war so eine Art persönlicher Herausforderung, vielleicht etwas überheblich…

SA: Wie konzipierst Du Deine Geschichten und wie verfährst Du um sie bis zum Ende weiterzuentwickeln?
A: Meine Arbeitsmethode, so es denn eine gibt, ist gerade dabei sich mit jedem neuen Album weiterzuentwickeln. Bis jetzt habe ich die Geschichte lieber in einer für den Comic ziemlich klassischen Form als Storyboard mit Sprechblasen geschrieben, auf diese Weise fällt es mir leichter zur schreiben. In meinem Ersten habe ich mir von Beginn der ersten Grundstruktur die Freiheit genommen die Zeichnungen voranzutreiben und den Text ein bisschen vergessen , als die Zeichnung einmal fertig waren, haben sich die Dialoge die ich in den Sprechblasen vorgesehen hatte nicht mehr in den viel langsameren Rhythmus von zwei Bildern pro Seite eingefügt und ich habe den Text komplett anders umgearbeitet. Für den Zweiten habe ich mein erstes Storyboard etwas länger verfolgt, ich habe es lediglich der Aufteilung in zwei Felder angepasst. Für das dritte das kommen wird, schreibe ich die Geschichte bevor ich sie zeichne, so dass ich also ein richtiges Drehbuch in der Hand habe. Es ist richtig dass der Comic eine Arbeit des langen Atmens ist und bis jetzt habe ich, um vorwärts zu kommen, versucht ein Gleichgewicht zu finden, zwischen ein bisschen Improvisation (der Freiheit die Änderungen vorzunehmen die sich im Laufe der Zeit ergeben) und der Notwenigkeit einer leitenden Linie zu folgen, das erlaubt nicht alles jeden Augenblick in Frage zu stellen.

SA: Manche Künstler sagen das sie Dinge zeichnen (ein Thema) um sie besser zu verstehen, Du auch?
A: Ich versuche eine Geschichte zu erzählen und ich zeichne, weil ich mich in diesem Medium wohler fühle als mit dem alleinigen schreiben. Deswegen glaube ich, ich zeichne vielmehr um Fragen zu stellen. Oft mag ich es einfach sehr alltägliche Objekte zu zeichnen, um den Fakt in Erinnerung zu rufen, dass sich hinter diesen Dingen die man so gut zu kennen glaubt große Mysterien verbergen. Ich glaube nicht dass ich die fertigen Zeichnungen besser verstanden habe. Die Zeichnung wäre so vielmehr ein Beweis für den konstanten Misserfolg im Begreifen der Wirklichkeit, aber genau dass ist es was einen immer und immer wieder dazu bringt etwas auszuprobieren, und außerdem, wie gesagt, könnte man annehmen, dass dies den Versuch bedeutet die Welt besser zu verstehen, was jedoch vergebens ist.

SA: Was sind für Dich die interessantesten Facetten an diesem Metier?
A: Inszenierung in völliger Freiheit, Situationen und Figuren zu erschaffen und  zu sehen wie sie sich unter meinen Augen entwickeln, bis sie sich mir entziehen. Ohne Beschränkung des Budgets (im Vergleich zum Kino)

SA: Woher nimmst Du Deine Inspiration? Und was gibt Dir die Disziplin und Energie eine solch intensive Arbeit zu machen?
A: Inspiration picke ich mir von überall ein bisschen heraus, dem Leben, Lektüre, Bilder…
Am Anfang war es ein Kindheitstraum, es hat sich zu einer Chance entwickelt, die Chance das zu tun was mir gefällt. Aber es ist auch Arbeit, was diesem Traum jedoch nichts nimmt. Ich habe eine arbeitsame Seite, regelmäßige Disziplin aufzubringen breitet mir keine Schwierigkeiten. Außerdem habe ich eine kleine Familie und ich beabsichtige einen gewissen Erfolg zu haben um sie zu ernähren, das ist wohl meine: „ Sohn von Immigranten“ Seite.

SA: In Deinem ersten Buch hast Du Panel- Rahmen verwendet, in Deinem zweiten machst Du das nicht mehr und Du verwendest ausschließlich zwei Bilder pro Seite.
A: Nachdem ich mich für eine Weile vom Comic entfernt hatte, habe ich Das Bedürfnis gehabt damit zu beginnen die Grundlagen der Erzählung vor mir auszubreiten um zu verstehen wie man von einem erzählerischen Minimum ausgehend eine Geschichte schildert. Ich habe alles gleichzeitig gemacht ich brauchte einen regulären Rahmen um voran zu kommen. Dadurch dass ich mich für Fotokünstler interessiere versuche ich andere Formen der Einstellung zu finden um meine Reflexe über die Stereotype des Comics hinaus, zu bereichern. Die Panelrahmen im zweiten wegzulassen war ein Weg um die Zeichnungen mehr so zu zeigen wie sie gestaltet sind, weniger wie Fotos, ich weiß nicht ob das funktioniert…

SA: Was ziehst Du vor die, Phase der Recherche, der Entwicklung und Ausarbeitung oder den Moment in dem das Buch fertig ist? Was fühlst Du wenn Du ein Buch zuende gebracht hast? Denkst Du bereits über das Nächste nach?
A: Der Moment in dem in dem Geschichte zu keimen beginnt ist besonders aufregend, in diesem Moment ist alles noch möglich. Danach trifft man Auswahlen, das heißt man verzichtet auf Dinge, das ist schmerzlich, aber dann vertieft man sich und kommt in eine zweite Phase, in der die Geschichte an Dichte zunimmt, dass ist auch Interessant, wenn die Figuren anfangen zu existieren. Es finden sich viele kleine Vergnügen während der Ausarbeitung die einem ermöglichen voranzukommen, aber es nicht mehr die totale Freiheit wie in den anfänglichen Momenten. Wenn das Buch dann einmal veröffentlich ist, ist es schon weit weg, ich habe Vergnügen daran gefunden die erfolgreiche Arbeit zu sehen, aber gleichzeitig kommt der Angstzustand vor dem Blick des Publikums, das Buch gehört uns dann nicht mehr…. ich musste mich sofort einem neuen Projekt zuwenden, das ist was mich hält.

SA: Wie suchst Du Dir die Geschichten aus wenn du sagst Du lässt Dich von Deiner Lektüre und den Bildern die Du betrachtest und wie gehst Du bei der Entwicklung Deiner Szenarios und Storyboards vor?

A: In der ersten Schöpfungsphase Konsumiere ich im Allgemeinen viele Dinge, ich sehe mir viel Fotos an, Filme, ich lese… ich brauche Stoff. Je weiter ich fortschreite, desto weniger Sachen möchte ich sehen, andernfalls würde ich zu schnell die Richtungen ändern. Ansonsten bin ich oftmals eine Basisstruktur in drei Akten, Vorlage, Verknüpfungspunkt, Abwicklung. Ich bediene mich eines Stils der Kriminalliteratur um die Geschichte voranzubringen, ich bereite eine Art Intrige vor, eine Art Spannung obwohl ich weit von einer richtigen Ermittlung entfernt bin. Bei den Bildern lasse ich von dem leiten zu dem ich Lust habe es zu zeichnen.

SA: Ok, lass und ein kleines Resümee ziehen…
Du sagst dass der Comic den Autoren die größt mögliche Freiheit gibt allein dadurch alle Geschichten zeichnen zu können die sie wollen in all ihren Facetten… was eine außerordentliche erzählerische Freiheit gibt… Wenn du, wie in Deiner letzten Geschichte, einen politischen Aspekt heraufbeschwörst indem Du über Krieg und Menschrechte sprichst… glaubst Du dass das Medium Kunst eine Ethische Verantwortung hat, oder sollte man einer Linie folgen können, ohne jedwede Grenzen, um alles auszudrücken was den Geist des jeweiligen Künstlers bewegt, egal wie schockierend dies sein mag?
A: In Bezug auf das künstlerische Medium im Allgemeinen habe ich darauf keine Antwort, außer dass es für diejenigen die es mögen zu verstören und zu schockieren sicherlich gut ist. Das Medium Kunst sollte frei bleiben dann kann jeder Schaffende dies mit seinem eigenen Gewissen übernehmen. Ich bilde mir ein, dass alles erlaubt ist solange man nicht kriminell wird. Ich fühle mich in der Zweckentfremdung wohler als in der Störung. Das liegt eher in meiner Natur.

SA: Gibt es irgendetwas das Du niemals zeichnen wollen würdest?
A: Nein ich weiß nicht. Ich zeichne nur was mir gefällt, dann stelle ich mir vor, dass ich eine Liste der Sachen machen könnte die ich mich nicht zeichnen sehe, aber das könnte nicht sehr interessant sein und außerdem könnte sich das ändern. Trotzdem kann ich sagen dass ich mich mit zu gewalttätigen oder zu unverblümten Bildern nicht sehr wohlfühle.

SA: Du hast auch für einige Fanzines gearbeitet? Welche? Was hast Du gemacht? Machst Du das immer noch?
A: Das war während meiner Zeit an der Universität, von 1991 bis 1993, ein Fanzine namens „Beurk“. Da habe ich Kurzgeschichten gezeichnet. Seitdem habe ich nichts mehr für Fanzines gemacht, nur ein paar Arbeiten für die Presse.

SA: Worin bestehen die Unterschiede und Schwierigkeiten für ein Magazin zu arbeiten und Deine eigene Geschichte zu zeichnen?
A: Na gut, wenn es ein uninteressanter Job ist dann beruhigt man sich damit in dem man an den Aspekt der Nahrung denkt, oder man macht es nicht. Und wenn es interessant ist macht man es mit Vergnügen, als würde man seine eigene Arbeit machen. Bestimmt ist es weniger einnehmend weil es gewöhnlich auch nie so lange dauert. Ich weiß nicht was ich anderes dazu sagen soll. In dieser Domäne habe ich nicht viel Erfahrung.

SA: Könnte ein Thema wie der Mentalitätsunterschied zwischen den Menschen Dir Lust machen zu zeichnen?
A: Das ist etwas ungenau. Ich mache mir ständig Gedanken darüber was in den Köpfen der Leute vor sich geht da ich selbst von zwei Kulturen eingenommen bin, der Französischen und der Spanischen, ich habe das Gefühl das ich wohl schon davon Spreche.

SA: Könntest Du uns etwas über die Codes sagen die Du in Deinen Zeichnungen verwendest?
A: Na, ich weiß nicht ob ich fähig bin eine hochtrabende Analyse über die Codes die ich verwende zu machen, noch bin mir ihrer nicht ganz bewusst. Ich bin immer ein bisschen am recherchieren und noch am Anfang meiner Arbeit, folglich habe ich nicht die nötige Distanz um über das was ich tue zu berichten. Ich kann vielleicht sagen dass ich bis jetzt eine realistische Darstellung gewählt habe, eine hyperrealistische Sicht, mit einer Bildeinstellung die mit einem Fotoapparat hätte gemacht sein können, mit der Sorge die Leser damit in einen bequemen und vertrauten Bezug zu den Bildern zu setzen. Zuerst, denn danach hilft mir dies mehr dabei, die Dinge bis zu einem gewissen Grad aus dem Gelichgewicht zu bringen. Ich versuche auch die Realität des Alltags bis hin zur Symbolik zu intensivieren.

SA: Frankreich ist eine große Comic- Nation, mit einer eigenen Geschichte, Deutschland nicht. Während meiner Recherche im Independent Comic bin auf sehr viel Unzufriedenheit in Bezug auf die kulturelle Anerkennung des Comics getroffen. Ich bin auf den Satz eines Österreichers gestoßen der sich leidenschaftlich für die Verbesserung dieses Missstandes einsetzt, er sagt: „ die Zukunft des Comic liegt im Dialog zwischen den Diziplinen.“ Kannst Du uns Deine eigene Interpretation aus Sicht eines Franzosen geben?
A: Es ist klar das der Comic, obwohl sich die Ansicht der Leute darüber in den letzten Jahren enorm entwickelt hat (in Frankreich haben bestimmte Titel in der Zwischenzeit ihren Platz in sogenannten „ernsthaften“ Buchläden gefunden) er nichts desto trotz in der Vorstellung der Meisten, nichts weiter als kurzweilige, leicht zu konsumierende Unterhaltung ist, die vornehmlich der Jugend vorbehalten bleibt. Viele geben auch zu keinen Zugang zu diesem Medium zu haben sie schaffen es buchstäblich nicht einen Comic zu lesen. Um es zusammenfassend und ein bisschen karikierend zu sagen; der Comic ist eine Sache mit der man von klein an beginnt ansonsten kapiert man nichts und wenn man ihn immer noch nutzt wenn man groß ist, hat man es nicht geschafft erwachsen zu werden!  Nun, das entwickelt sich eben, ich glaube es ist schwierig einem komplexen Thema wie diesem mit schnellen Lösungen zu kommen. Den Dialog zwischen den Disziplinen gibt es bereits, dass er anhält, das heißt dass er vorangetrieben wird ist gut, aber ich weiß nicht ob das alles löst. Der Comic muss sich tatsächlich selbst Geltung verschaffen und nicht warten bis er durch ein anderes Medium zu Ehre gelangt, sonst droht er im Hintergrund zu verschwinden. Schlussendlich müsste man darüber mit diesem österreichischen Freund diskutieren, ich kann mir vorstellen dass er hinter diesem Satz so einige Dinge versteht.

SA: Wie bewertest Du Erfolg und Größe aus persönlicher aber auch aus Sicht des künstlerischen Fortkommens?
A: Ich mache die Idee des Erfolges und die Kraft eines Werkes im Wesentlichen an der Beständigkeit fest. Immer Lust haben zu machen, Freude haben, weiterzusuchen, in seinem Schaffen ehrlich und anspruchsvoll zu bleiben, den Mut zu haben 90 Grad Drehungen vorzunehmen, all dieses... Das ist was für mich den Erfolg ausmacht. Eine andere Sache ist es Erfolg zu haben. Ich denke wenn man aufrichtig und ernsthaft ist bei dem was man tut begegnet man seinem Publikum zwangsläufig. Aber es ist schwer zu begreifen warum ein Buch (oder ein Panel) besser funktioniert als ein anderes, das ist eine komplexe Alchemie und vielleicht ist es für den Schöpfer besser sich nicht zu sehr an einer derartigen Analyse aufzureiben. Manchmal hat man das enthusiastische Gefühl dass das was einem so herausrutscht etwas Großes ist, aber manchmal täuscht man sich da. Auf jeden Fall hat das was man nach einiger Zeit wieder hervorbringt und immer noch funktioniert, die Chance dass es gut ist… wieder also, Beständigkeit.

SA: Kannst Du uns etwas mehr über Dein aktuelles Projekt « Las Rosas » erzählen?
A: Das ist ein ziemlich massives Project, es wird mehr als 300 Seiten haben, mit einer freieren Aufteilung (ich habe die zwei Felder pro Seite fallengelassen und verwende Sprechblasen). Die Geschichte spielt sich in einer Wüste ab, in einem Frauendorf, aus Wohnwägen, am Rande einer Straße und einer Tankstelle, an der Grenze zwischen Mexiko und den Vereinigten Staaten, ohne dass man jemals weiß auf welcher Seite man sich befindet. Es handelt sich also um Frauen aber auch von Vaterschaft, Liebe… Eine Geschichte die um mehrere Schlüsselfiguren herum konstruiert ist, deren Seelenzuständen, Enttäuschungen, Ängsten, Hoffnungen und Träumen man folgt. Der Titel ist also „Las Rosas“ und der Untertitel „Western tortilla à l’eau de rose“. Die Zeichentechnik ist ziemlich anders. Die Veröffentlichung ist für Anfang nächsten Jahres geplant.

SA: Andere Projekte für die Zukunft?
A: Nicht im Moment, vielleicht gibt es eine Fortsetzung von „Las Rosas“, aber ich weiß nicht ob es in der Zwischenzeit etwas anderes geben wird.

SA: Was für Musik hörst Du?
A: Tom Waits, Manu Chao, Alain Bashug, Jazz, Rap (RZA zum Beispiel), spanische Bands (Muchachito, Macacao), Flamenco… letztendlich ein Haufen Zeug

SA: Wie ist das Leben in Südfrankreich so, im Gegensatz zu Paris?
A: Es ist viel heißer, die Leute sind weniger gestresst und haben mehr Platz untereinander. Ich lebe in einem kleinen Dorf, also ist alles anders, die Natur ist viel näher…. Wie bei allem anderen gibt es keinen idealen Ort, es hängt alles von dem Moment ab in dem gerade lebt. Ich fühle mich hier im Moment wohl, besonders was mein Familienleben betrifft.

SA: Also gut lieber Anthony, ich danke Dir sehr für dieses sehr sympathische Interview, würdest zum Schluss noch gerne etwas sagen?
A: Vielen Dank an Dich.

SA: Danke auch.