Art Returns to art is an exhibition presenting over forty works by thirty-two contemporary artists in the historic rooms of the Galleria dell’Accademia in Florence, from May 8 to November 4, 2012. The show is being held not just in the spaces of the museum specifically devoted to temporary exhibitions, but also in the ones that house the permanent collection, the Tribuna of the David, the Galleria of the Prisoners, the Gipsoteca and the Sala del Colosso, where the insertion of contemporary works clearly underlines the relationship between past and present.
The exhibition, curated by Bruno Corà, Franca Falletti and Daria Filardo, will see the installation in the rooms of the Galleria dell’Accademia of works by: Francis Bacon, Louise Bourgeois, Alberto Burri, Antonio Catelani, Martin Creed, Gino de Dominicis, Rineke Dijkstra, Marcel Duchamp, Luciano Fabro, Hans Peter Feldmann, Luigi Ghirri, Antony Gormley, Yves Klein, Jannis Kounellis, Ketty La Rocca, Leoncillo, Sol LeWitt, Eliseo Mattiacci, Olaf Nicolai, Luigi Ontani, Giulio Paolini, Claudio Parmiggiani, Giuseppe Penone, Pablo Picasso, Alfredo Pirri, Michelangelo Pistoletto, Renato Ranaldi, Alberto Savinio, Thomas Struth, Fiona Tan, Bill Viola, Andy Warhol.

The title Art Returns to art is the same as the one Luciano Fabro - one of the best-known artists on the Italian scene who died in 2007 - chose for a collection of his writings and of lectures and talks given between 1981 and 1997 at universities, academies and museums in various parts of the world. Adopting this expression as the title of the exhibition is a mark of agreement with his idea of art as a continuum that renews and regenerates itself, drawing strength from itself and from its own history. Art Returns to art proposes examples of artists who in their works have looked to history, to the masterpieces of the past, making use of their iconography, reworking their ideas and assuming a responsibility that has not yet been exhausted and a sense of belonging that has no bounds, but that finds expression in languages rich in interpretative possibilities.

The location of the exhibition is doubly emblematic. As everyone knows it is the home of Michelangelo’s David and his Prisoners, as well as important collections that include masterpieces of various periods, and in particular of 14th-century Florentine painting: thus it is an ideal setting for a concrete dialogue between the works of the past and those of artists of our own day, offering the public the experience of a continual counterpoint. The gallery is also an exhibition place linked to the history of the Florentine Accademia di Belle Arti, the first institution set up in Italy to mark a continuity between past and present, where the collection of plaster casts and works, before and after the creation of the city’s museums, has provided models of Renaissance thinking and supplied lifeblood to artists from all over the world, who have come to Florence and the academy to study.
The languages presented side by side in this museological space are many and cover the whole range of visual production, including the more traditional techniques like painting, sculpture and drawing as well as photography, video, performance and installation art. All kinds of images are admitted and included in this process. The works have been carefully chosen for their resonances, their “echoes,” and for their visual assonances with the past, with the paintings, sculptures and architecture of the museum, that spark off and develop a critical line of reasoning on the role and function of the creative act. The artists who are still alive have been involved in the choice and some of them have created works specially for the occasion.

Louise Bourgeois’s Arch of Hysteria, hung with all its charge of “life’s emotional frenzy” in front of Pontormo’s Venus and not far from Michelangelo’s David, will offer definitive proof of how the naked form of the human body can be used to express concepts and stir sensations that are vastly different. And the effort to bring form out of brute matter, something which obsessed Michelangelo all his life, seems to still weigh heavily today on the shoulders of Giuseppe Penone in his arduous hollowing out of massive tree trunks, just as it is echoed in the forms carved out of concrete by Antony Gormley. Giulio Paolini’s L’altra Figura will be located almost opposite Bill Viola’s video Surrender: two contemporary ways of reappraising and interpreting the theme of mirroring and reproducibility that lead, in the left arm of the Tribuna, to the 19th-century Salone dei Gessi, filled with plaster casts that were created solely to be reproduced. The theme of reflection is also explored in Alfredo Pirri’s floor of fractured mirrors, in Olaf Nicolai’s work Portrait of the Artist as a Weeping Narcissus, whose tears ripple the surface and alter the reflected image, and in Michelangelo Pistoletto’s mirror picture Sacra conversazione, which includes us in a conversation of the present day. Metaphorically, mirroring becomes a merging with the gaze of the visitor, who is conceptually made part of the creative process in Rineke Dijkstra’s video installation that tells of a slow observation and reproduction of one of Picasso’s pictures, in Thomas Struth’s photo in front of Dürer’s self-portrait and in Martin Creed’s performance with athletes running swiftly through the spaces of the gallery. The reproduction, repetition and circulation of images in the history of art is tackled from a critical perspective in the works of Marcel Duchamp, Andy Warhol, Luigi Ghirri, Hans Peter Feldmann and Ketty La Rocca, which refer directly to icons familiar to everyone. In his Untitled, Jannis Kounellis will recall the iconography and sense of tragedy of the Crucifixion, a theme tackled in a different way in Alberto Burri’s work and in Renato Ranaldi’s Triumphans, while the gold or ultramarine monochromes of Yves Klein can be related to the gold grounds of the 14th-century altarpieces. The casts of the David’s eyes in Claudio Parmiggiani’s work pose the problem of the fragment, while Leoncillo and Luigi Ontani’s images of Saint Sebastian present different visions of that sacred iconography. The gaze at the past will appear emblematic and mysterious in Alberto Savinio’s Nettuno Pescatore as well as in Gino de Dominicis’s Urvasi e Gilgamesh. Interesting reflections on the work of the past will also be provided by Francis Bacon’s Figure sitting (the Cardinal), Pablo Picasso’s Arlequín con espejo and Sol LeWitt’s drawings of Piero della Francesca’s frescoes, as well as by the ovoid volumes of Luciano Fabro’s Il giudizio di Paride or Eliseo Mattiacci’s large iron sculpture Carro solare del Montefeltro. Memory as recognition of origins will be the focus of Fiona Tan’s film Provenance, and the classical elements of museum architecture are the form out of which Antonio Catelani develops his Klettersteig.

The recognition of origins, the persistence of models and forms, the need to begin again, to go back to and modify earlier speculations, are elements of a way of thinking and acting that is part of the essence of what we call the discourse on the history of art, on its languages and its visual and plastic modes. The relationship with memory has always prompted a continual artistic reflection that evokes complex connections and concepts, constructs new and intricate archives, constellations and systems that allow us to think about the figures, the processes of composition and the founding archetypes of art. In the work of the artists of every age it is possible to recognize derivations, rediscoveries and resumptions in a recurrence that is different on each occasion. The contemporary era is not immune from this attitude of uninterrupted analysis and reworking of the sources, which does not lead to empty, nostalgic evocations but is capable of generating profoundly up-to-date and innovative creations. Memory, as it is understood in this project, is not sequential recording of the time that passes. Rather it is a subterranean memory that surfaces in the juxtaposition of heterogeneous fragments (of the past and present) that arouse the buried, grasp the unsaid, make visible a “frenetic” dialectic. The continual meditation on and revision of the sources in the works of the great artists of the present is an open and vital resource for the generation of deeply innovative creations because, to quote, the Italian art historian and writer Cesare de Seta “[...] among contemporary artists there are those who continue to hold a dialogue with history and the past, and for this reason are the art of the future.”

A program of collateral events will accompany the exhibition with the aim of expanding on or examining more closely the themes proposed. The subject of the relations that the art of the present has with its own past is at the center of a selection of six films to be shown at the Odeon in Florence from Wednesday 23 to Friday 25, 2012. Organized by Lo schermo dell’arte Film Festival, the program will be made up of full-length auteur films by great directors, from the sixties to the present day. In addition to a number of meetings with artists, a series of three concerts (Karlheinz Stockhausen, John Cage, Luciano Berio) organized by Daniele Lombardi, has been scheduled for the autumn.

The exhibition is accompanied by a catalogue in Italian and a version of it in English published by Giunti Editore of Florence. As well as pictures in color, it contains critical texts by the curators, Bruno Corà, Franca Falletti and Daria Filardo, and by Marcella Anglani, Hal Foster, Daniele Lombardi, Silvia Lucchesi and Mariella Utili.
The works have been loaned by museums in various countries, private collections or the artists themselves; the entries on all the works in the exhibition have been compiled by Aldo Iori and Elena Magini, along with several individual contributions from Nicoletta Cardano, Rudi Fuchs and José Jimenez.

Press preview Monday May 7, 12:00 am, Galleria dell’Accademia, Via Ricasoli 58-60, Florence

Information on the exhibition ARTE TORNA ARTE
Press office
Ilaria Gianoli, mob. +39 333 6317344, ilariagianoli@tin.it
Marta Colombo, mob. +39 340 3442805, martacolombo@gmail.com

Information for the public
Firenze Musei tel. +39 055 294883

Arte torna arte è una mostra che raccoglie oltre quaranta opere di trentadue artisti contemporanei nelle storiche sale della Galleria dell'Accademia di Firenze, dall’8 maggio al 4 novembre 2012. L’esposizione coinvolge non solo gli ambienti del museo specificamente dedicati alle mostre temporanee, ma anche le sale della collezione permanente, la Tribuna del David, la Galleria dei Prigioni, la Gipsoteca, la Sala del Colosso, laddove l’inserimento di opere contemporanee evidenzi chiaramente il rapporto tra presente e passato.
La mostra, a cura di Bruno Corà, Franca Falletti e Daria Filardo, prevede l’installazione nelle sale della Galleria dell’Accademia di opere di: Francis Bacon, Louise Bourgeois, Alberto Burri, Antonio Catelani, Martin Creed, Gino de Dominicis, Rineke Dijkstra, Marcel Duchamp, Luciano Fabro, Hans Peter Feldmann, Luigi Ghirri, Antony Gormley, Yves Klein, Jannis Kounellis, Ketty La Rocca, Leoncillo, Sol LeWitt, Eliseo Mattiacci, Olaf Nicolai, Luigi Ontani, Giulio Paolini, Claudio Parmiggiani, Giuseppe Penone, Pablo Picasso, Alfredo Pirri, Michelangelo Pistoletto, Renato Ranaldi, Alberto Savinio, Thomas Struth, Fiona Tan, Bill Viola, Andy Warhol.

Il titolo Arte torna arte è quello che Luciano Fabro - artista tra i più noti del panorama italiano scomparso nel 2007 - aveva scelto per una raccolta di suoi testi, lezioni e conferenze tenute tra il 1981 e il 1997 presso sedi universitarie, accademie e musei del mondo. Assumere tale espressione come titolo della mostra segna la condivisione di un pensiero rivolto all’arte come un continuum che si rinnova e si rigenera, traendo forza proprio da se stesso e dalla propria storia. Arte torna arte propone le esemplarità di artisti che con le loro opere guardano alla storia, ai capolavori del passato, utilizzandone l’iconografia, rielaborandone il pensiero, facendosi carico di una responsabilità non esaurita e di un’appartenenza che non ha confini, ma che si articola secondo linguaggi ricchi di possibilità interpretative.

Il luogo che ospita la mostra è doppiamente emblematico. Esso è notoriamente sede del David e dei Prigioni di Michelangelo, oltre che di importanti fondi che offrono capolavori di varie epoche, ma soprattutto della pittura trecentesca fiorentina: si configura così come lo spazio ideale per rendere concreto il dialogo fra le opere del passato e quelle di artisti dei nostri giorni, offrendo al pubblico l’esperienza di un continuo contrappunto. La Galleria è anche luogo espositivo legato alla storia dell’Accademia di Belle Arti fiorentina, prima istituzione nata in Italia per segnare una continuità tra passato e presente, dove la raccolta dei gessi e delle opere, prima e dopo la nascita dei musei, ha fornito exempla del pensiero rinascimentale e linfa vitale agli artisti di tutto il mondo, che proprio a Firenze e all’Accademia sono venuti a studiare.
I linguaggi accostati in questo spazio museale e logico sono tanti e coprono tutto l’arco della produzione visuale includendo le tecniche più tradizionali quali pittura, scultura, disegno come anche la fotografia, il video, la performance, le installazioni ambientali. Tutte le immagini sono ammesse e incluse in questo processo. I lavori sono stati accuratamente scelti per i riverberi, le “sopravvivenze” e per le assonanze visive con il passato, con le pitture, le sculture e l'architettura del Museo, che innescano e dipanano un ragionamento critico sul ruolo e la funzione del gesto creativo. Gli artisti viventi sono stati coinvolti nella scelta e alcuni di loro realizzeranno le opere appositamente per l’occasione.

L’Arch of Hysteria di Louise Bourgeois, appeso con tutto il suo carico di “isteria del vivere” davanti alla Venere del Pontormo e poco lontano dal David di Michelangelo, offrirà la prova regina di come la nuda forma del corpo umano possa esprimere i concetti e scatenare le sensazioni più abissalmente lontane. E la fatica di tirar fuori la forma dall’interno della materia bruta, su cui si è consumata la vita di Michelangelo, sembra pesare ancora oggi sulle spalle di Giuseppe Penone nel suo arduo scavare possenti tronchi di legno, come anche riecheggia nelle forme ricavate dentro il cemento di Antony Gormley. L’altra Figura di Giulio Paolini sarà collocata quasi di fronte al video Surrender di Bill Viola: due modi contemporanei di rivisitare e interpretare il tema del rispecchiamento e della riproducibilità che introducono, nel braccio sinistro della Tribuna, al Salone dei gessi dell’Ottocento, oggetti nati solo per essere riprodotti. Il tema del rispecchiamento è elaborato anche nel pavimento specchiante fratturato di Alfredo Pirri, nell’opera Portrait of the Artist as a Weeping Narcissus di Olaf Nicolai che lacrimando increspa e rende diversa l’immagine riflessa, nel quadro specchiante Sacra conversazione di Michelangelo Pistoletto, che ci include in una conversazione attuale. Metaforicamente il rispecchiamento diventa l’immedesimazione dello sguardo del visitatore, che entra concettualmente a fare parte del processo creativo nella video installazione di Rineke Dijkstra, in cui si narra di una lenta osservazione e riproduzione di un quadro di Picasso, nella foto di Thomas Struth davanti all’autoritratto di Dürer e nella performance di atleti che percorrono velocemente gli spazi della Galleria di Martin Creed. La riproducibilità, la ripetizione e la circolazione delle immagini nella storia dell’arte è affrontata con sguardo critico nelle opere di Marcel Duchamp, Andy Warhol, Luigi Ghirri, Hans Peter Feldmann, Ketty La Rocca che direttamente si riferiscono a icone note a tutti. Jannis Kounellis con un Senza titolo richiamerà l’iconografia e il senso del tragico della Crocefissione, tema diversamente ripreso anche nell’opera di Alberto Burri e in Triumphans di Renato Ranaldi, mentre i monocromi oro o blu oltremare di Yves Klein si rapporteranno ai fondi oro delle pale d’altare trecentesche. I calchi degli occhi del David nell’opera di Claudio Parmiggiani porranno il problema del frammento, mentre i San Sebastiano di Leoncillo e di Luigi Ontani daranno differenti visioni di quell’iconografia sacra. Emblematico e misterioso, lo sguardo sul passato apparirà in Nettuno Pescatore di Alberto Savinio come in Urvasi e Gilgamesh di Gino de Dominicis. Interessanti riflessioni sull’opera del passato saranno fornite da Figure sitting (the Cardinal) di Francis Bacon, dall’Arlequín con espejo di Pablo Picasso, dai disegni di Sol LeWitt degli affreschi di Piero della Francesca, come dai volumi ovoidali de Il giudizio di Paride di Luciano Fabro o dalla grande scultura in ferro Carro solare del Montefeltro di Eliseo Mattiacci. La memoria come riconoscimento delle origini e della provenienza sarà il cardine di Provenance, riflessione filmica di Fiona Tan e ancora gli elementi classici dell’architettura museale sono la forma di partenza dell’elaborazione di Antonio Catelani in Klettersteig.

Il riconoscimento delle origini, il persistere dei modelli e delle forme, la necessità di ricominciare, ripercorrere e modificare speculazioni precedenti, sono elementi di un pensare e di un fare che appartengono all’essenza di ciò che definiamo il discorso sulla storia dell’arte, sui suoi linguaggi e le sue modalità visive e plastiche. Il rapporto con la memoria apre da sempre la continua riflessione artistica che evoca collegamenti e pensieri complessi, costruisce nuovi archivi, costellazioni e sistemi articolati che permettono di ragionare sulle figure, sui processi compositivi e sugli archetipi fondanti dell’arte. Nell’opera degli artisti di ogni epoca è possibile riconoscere discendenze, ritrovamenti, riprese in un ritorno sempre differente. Anche la contemporaneità non è esente da questo atteggiamento di analisi e rielaborazione ininterrotta sulle fonti, che non porta a vuote nostalgiche evocazioni ma è capace di generare creazioni profondamente attuali e innovative. La Memoria, come è intesa in questo progetto, non è la registrazione sequenziale del tempo che passa, è piuttosto una memoria sotterranea che affiora proprio nell’accostamento di frammenti eterogenei (passati e presenti) che risvegliano la profondità, colgono il non detto, rendono visibile una dialettica “vertiginosa”. La meditazione e rielaborazione ininterrotta sulle fonti nelle opere dei grandi artisti presenti è aperta e vitale risorsa per generare creazioni profondamente innovative perché, citando Cesare de Seta, storico dell’arte e scrittore italiano “… fra i contemporanei ci sono coloro che continuano a dialogare con la Storia e col passato, e per questo motivo sono l’arte del futuro”.

Un programma di eventi collaterali affiancherà la mostra al fine di approfondire o ampliare le tematiche proposte. Il tema delle relazioni che il presente dell’arte ha con il proprio passato è al centro della scelta di un ciclo di sei film presentati all’Odeon di Firenze da mercoledì 23 a venerdì 25 maggio 2012. Curato da Lo schermo dell’arte Film Festival, il programma riunirà lungometraggi di grandi registi del cinema d’autore, dagli anni Sessanta ad oggi. Oltre ad alcuni incontri con artisti, è stato programmato per l’autunno un ciclo di tre concerti (Karlheinz Stockhausen, John Cage, Luciano Berio) a cura di Daniele Lombardi.

Accompagna l’esposizione un catalogo in italiano e una sua versione in lingua inglese di Giunti Editore di Firenze, che raccoglie oltre a immagini a colori, i testi critici dei curatori Bruno Corà, Franca Falletti, Daria Filardo e quelli di Marcella Anglani, Hal Foster, Daniele Lombardi, Silvia Lucchesi e Mariella Utili.
Le opere provengono da prestiti di musei internazionali, collezioni private o dagli artisti; le schede di tutte le opere in mostra sono a cura di Aldo Iori e Elena Magini, nonché da alcuni interventi singolari di Nicoletta Cardano, Rudi Fuchs, José Jimenez.


Anteprima stampa lunedì 7 maggio ore 12.00
Galleria dell’Accademia, via Ricasoli 58-60, Firenze


Informazioni sulla mostra ARTE TORNA ARTE
Ufficio stampa
Ilaria Gianoli, mob. 333 6317344, ilariagianoli@tin.it
Marta Colombo, mob. 340 3442805, martacolombo@gmail.com

Informazioni al pubblico
Firenze Musei tel. 055 294883